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Musiques Singulières

    Pour les amateurs de dépaysement, de découvertes. Formats longs bienvenus : prendre le temps de la musique !
    Index des musiciens à votre disposition dans la Catégorie du même nom.
Créé le 20 février 2007, ce blog prolonge une émission sur Radio Primitive, Reims, la plupart des lundis de 22 à 23 heures. 
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  Désolé pour l'invasion publicitaire, consternante : je la déplore et j'en souffre autant voire plus que vous. En attendant une alternative (pas facile), je vous conseille, si vous naviguez avec Firefox, d'installer une extension anti-pub.

24 septembre 2009 4 24 /09 /septembre /2009 20:41
   Comme Vincent Segal (cf. un article précédent), Daniel Bernard Roumain, alias DBR, américain d'origine haïtienne, met la pratique classique de son instrument au service des musiques d'aujourd'hui. Sa carrière est encore modeste, quatre disques à son actif. Compositeur, il multiplie les collaborations, comme on le verra par la suite. Sa trajectoire, d'abord incertaine, s'affirme avec son dernier opus.
Qui n'est pas celui-ci...Pulsing, sorti en 2006 sur DBR Music, manifestait encore très maladroitement les velléités d'ouverture de DBR vers les musiques électroniques. L'album s'ouvre pourtant sur un très beau titre, "Orbit", tout à fait digne des meilleures musiques contemporaines. Violon en pizzicati pour des motifs en boucle, jeux de réverbération et d'approfondissement. Mes oreilles étaient ravies, plus dure fut la suite. Morceaux mous, saupoudrés d'une électronique-gadget. "Wanted", le septième titre, prouvait à nouveau les possibilités du compositeur, morceau syncopé assez hypnotique, très minimal. Et puis cela retombait dans le joli insipide avec le justement bien titré "Cotillion 2", tout ce que je déteste dans le violon pour caniches. "Filter" essayait ensuite de réparer mon traumatisme, avec un peu trop de crincrins à mon goût. Le disque se terminait plus heureusement avec un collage de fragments dialogués sur fond de violon au lyrisme tenu : pas encore du Eve Beglarian, notez bien ! Au total, un disque peu pulsant, peu reichien, des promesses...
  etudes4violin&electronix est nettement plus consistant. Sorti en 2007 sur le label Thirsty Ear, il est mieux composé, bénéficie de collaborations de choc, DJ Spooky, Ryuichi Sakamoto, DJ Scientific...et Philip Glass. Dès le premier titre, on prend de l'altitude avec l'éthéré "black man singing", violon libéré, beats de DJ Spooky, flûte envoutante de Peter Gordon. "The Need to be", le titre suivant, est une merveille d'abord toute gracile, dialogue entre le violon de dbr et le piano de Ryuichi Sakamoto, puis le ton se fait plus grave, introspectif, le piano en arpèges éclaboussés, le violon en stases étincelantes. Dbr ose enfin une vraie composition, et c'est un peu plus de dix minutes de bonheur. DJ Spooky réapparaît avec le titre trois, "resonance", presque jazzy, dbr aussi au piano, c'est bien enlevé, finies les mièvreries..."The need to follow", qui forme dyptique avec ""The need to be", est peut-être plus beau encore, chant d'une intensité bouleversante soutenu par le clapotis océanique du piano de Sakamoto. Sur "divergence", dbr est seul au violon, piano et synthétiseurs : c'est limpide, évident. Quelle différence en un an !! Voici qu'il ajoute une partie de violon à une composition pour piano solo de Philip Glass, "Metamorphosis". Pourquoi pas, même si le piano se suffisait seul. Les deux hommes ont en commun le goût des mélodies, des reprises. dbr se coule sans problème dans la musique de Glass, avec un certain brio. Belle composition, de toute façon. Qui vaut mieux que le morceau suivant, le titre faible de l'album, passons..."fayetteville", avant-dernier titre,  en fait un peu trop, mais "lava" renoue avec le meilleur, atmosphère mystérieuse, apesanteur de soieries aériennes.dbr, un violoniste à suivre.
Pour aller plus loin
- le site de dbr.
- dbr sur MySpace
17 septembre 2009 4 17 /09 /septembre /2009 17:34
   Il a aidé à l'enregistrement de l'un des albums de son amie Shara Worden, de My Brightest Diamond, et cela s'entend. Il vient d'enregistrer sur le même label, Ashmatic Kitty Records, son premier album, Heavy Ghost. Une voix un peu à la Cat Stevens, veloutée avec des inflexions haut perchées, qui s'enveloppe volontiers de chœurs séraphiques, se love dans des textures instrumentales denses. Un piano presque caverneux, fantomatique, une guitare grattée avec dilection, obstination, des cordes soudain comme une nuée suave, sont au service de compositions constellées d'idées, de surprises. Le résultat est souvent éblouissant. Dès le premier titre, "Isaac's song", on est emporté dans la tourmente inspirée, d'autant plus saisissante qu'elle est brève, 1' 38 !! C'est une musique d'envol, de ferveur, le gospel n'est pas loin, les halètements épuisés d'allégresse succèdent au crescendo irrésistible. "Pity Dance" commence avec voix et guitare, s'étoffe en chemin de chœurs légers, de steel guitar, explose d'une décoction puissante de piano, claquements de mains, cordes, avant une coda fragile et la reprise frémissante de "Creekmouth", dialogue entre la voix feutrée de David Michael et des chœurs retenus, lointains, sur un sous-bassement percussif qui envahit le champ sonore de sa claudication. "Pigs", guitare raclée, voix caressantes, DM soprano évanescent, termine en vents puissants d'anges coagulés. Les esprits sont bien au rendez-vous de "Spirit parade", ils tournoient lentement avant d'être saisis par des appels  et par l'harmonium, ravis en somme. Voix et piano pour "BMB", un soupçon de chœurs, puis des cordes pulsantes, la voix de DM qui se perd très haut, le piano extatique, mur monolithe de cordes, tout s'arrache, c'est à des moments stupéfiants comme celui-là qu'on comprend qu'on a affaire à un vrai créateur, qui sait transcender le format "chanson" pour aboutir à des compositions flirtant avec la musique contemporaine. Tout le reste de l'album est à l'avenant, si bien qu'on ne lui reproche plus de ne durer qu'à peine quarante minutes, car ici tout est plein, tout s'enflamme pour des incendies de beauté, des nuages de passion contenue  comme le superbe "GMS", piano sur un tapis de voix diaphanes. À l'évidence l'un des albums essentiels de cette année ! La fin de l'album est d'une beauté raffinée sidérante !!
Pour aller plus loin
- une belle vidéo du sublime "BMB" (vidéo qui peut être hachée sur la fin la première fois, mettez-la dans ce cas en réserve pour la revoir dans sa continuité) :

- le site MySpace de DM Stith
Programme de l'émission du dimanche 13 septembre 2009
Des nouveautés encadrées par un retour sur le deuxième volume de la série "Aerial", very strange music, décidément passionnante, et un début d'exploration du volume 4 de l'inépuisable mine de l'anthologie Sub Rosa. Avec une série très humide sur la fin...
Tod Dockstader : Clocking / Bottom (pistes 8 et 10, 7' 15), extraits de Aerial#2 (Sub Rosa, ?)
Ballaké Sissoko / Vincent Segal : Oscarine / Houdesti (p.2-3, 15' ), extraits de Chamber music (No ! Format, 2009)
DM Stith : Pigs / Spirit parade / BMB (p.4 à 6, 10' 30), extraits de Heavy Ghost (Ashmatic Kitty Records, 2009)
Death Ambient : Lake Chad / Greenhouse / Thermophaline (p.1-2-5, 15' ), extraits de Drunken Forest (Tzadik, 2007)
Beatriz Ferreyra : Demeures aquatiques (disque 1 / p.4, 7' 20)
Wang Changcum : Sea-Food (disque 1 / p.10, 4' 49), extraits de an anthology of noise & electronic music, volume 4 (Sub Rosa, ?)
10 septembre 2009 4 10 /09 /septembre /2009 11:17

Meph.- Là, chapeau bas !
Dio.- Pourquoi donc ?
Meph.- Pour une fois, tu es en avance sur l'actualité !
Dio.- Ah oui, je n'y avais pas prêté attention...
Meph.- Redescends sur terre, le disque sortira le 5 octobre.

Dio.- Parfait ! Comme nous étions en retard avec le troisième album de Death Ambient, l'équilibre est retrouvé, non ? Après la forêt engloutie, une musique qui coule de source. Après les raffinements électroniques et électriques, le retour à l'acoustique -représenté dans le trio chroniqué précédemment par le multi-instrumentiste japonais Kato Hideki. Ici, kora et violoncelle, rien de plus. Une rencontre limpide, sans arrières pensées, entre deux instrumentistes formidables. Ballaké Sissoko, malien de Bamako, est devenu au fil des années le grand maître incontesté de la kora, cette harpe-luth à 21 cordes d'origine mandingue. Il a imposé l'instrument dans de multiples festivals et grâce à de nombreuses collaborations, notamment avec Ross Daly, cet extraordinaire multi-instrumentiste d'origine irlandaise devenu joueur de lyra crétoise. Vincent Segal, d'origine rémoise, joue aussi bien du violoncelle acoustique qu'électrique. Comme Ballaké, il se livre aux expérimentations les plus diverses, passant par l'Ensemble intercontemporain et par des groupes de jazz, la chanson, le rock. Tous les deux transcendent les frontières : pas question d'enfermer la kora dans le monde des musiques traditionnelles et le violoncelle dans celui de la musique classique. Il n'est donc pas étonnant de les retrouver ensembles sur ce disque au titre pourtant presque provocateur. On les attendait peut-être dans des expérimentations et métissages débridés, ils se livrent à un sobre exercice de dialogue attentif, se partagent les compositions. Pièces calmes et envoûtantes, rythmées par le retour obsessionnel de certains thèmes, avec quelques morceaux un brin plus lyriques, mais il est rien moins évident que de deviner le compositeur, tant l'autre prend les manières de l'un, s'insinue dans son univers. Ainsi le titre 5, "Histoire de Molly", signé par Vincent Segal, se déploie avec la sereine majesté d'une ritournelle africaine, le violoncelle s'y fait même oriental, tout en mélismes insinuants. Seule exception à ce double chant intériorisé, une chanteuse intervient brièvement sur le titre 7, "Regret-à Kader Barry". Tout va de soi, la fontaine est fraîche, le monde chante, le temps s'égrène avec les notes cristallines de la kora, glisse sur les arpèges du violoncelle. On est bien.
Pour aller plus loin
- un article antérieur consacré à Thee, Stranded horse, où l'on retrouve la kora.
- Ballaké Sissoko sur Myspace.
- Le site de Bumcello, pour découvrir d'autres aspects de l'activité de Vincent Segal, avec pas mal de titres en écoute.
Programme de l'émission du dimanche 6 septembre 2009
Harold Budd : Stones / Children's Games beyond our beach (pistes 4-6-8, 8' ), extraits de Bella vista(Shout ! Factory, 2002)
DM Stith : Isaac's song / Pity dance / Creekmouth (p.1 à 3, 10' ), extraits de Heavy Ghost (Asthmatic Kitty Records, 2009)
L'Homme Puma : On remplace les yeux cassés / Velours et pourpre (p.3 et 5, 17' ), extraits de on remplace les yeux cassés (sorti en vinyl, ne devrait pas tarder en Cd )
Peter Garland : String quartet n°1 (p.1 à 6, 22' ), extrait de String Quartets (Cold Blue Music, 2009)
Ballaké Sissoko / Vincent Segal : Chamber music / Histoire de Molly (p.1 et 5, 11' ), extraits de Chamber music (No Format, 2009)
5 septembre 2009 6 05 /09 /septembre /2009 15:37
Death Ambient - The Drunken forest   J'ai failli passer à côté d'un disque essentiel, paru en 2007, où l'on retrouve Fred Frith, sa guitare électrique et son goût des expériences musicales, en compagnie d'Ikue Mori aux machines percussives et à l'ordinateur portable, et de Kato Hideki à la guitare basse et électrique, mais aussi au banjo, à l'ukulele, au violon, à la mandoline, aux machines, dans ce trio extraordinaire fondé en 1995 par les deux derniers, Death Ambient. Trois disques en douze ans : le premier en 1995, avec comme titre le nom du trio, Synaesthesia en 1995, et Drunken Forest en 2007, tous les trois sur le label de John Zorn, Tzadik. N'y allons pas par quatre chemins. Drunken Forest est un album magistral de bout en bout, parfaitement abouti. La symbiose entre les musiciens est totale, les percussions de Jim Pugliese, invité pour le disque, s'intégrant sans problème à l'univers musical de ces créateurs inspirés. Les idées sonores fourmillent, agencées avec une intelligence rare pour produire une musique expérimentale ambiente d'une densité extraordinaire. Tout un monde englouti, suggéré par le titre de l'album et ceux de certains morceaux, comme "Lake Chad", "Green house", "Yellow Rain", "River Yigris", surgit pour le plus grand plaisir de nos oreilles. De nouveaux territoires sont sans cesse convoqués, nous voilà dans une "Dead zone" ou une "Coral Necropolis". Textures liquides, minérales, atmosphères étranges et belles sont au rendez-vous d'un disque qui, tout en étant écoutable d'emblée -ce qui est loin d'être le cas de certaines bouillies expérimentales, est saisissant, inépuisable. La guitare de Fred est fulgurante par brèves irruptions, d'une splendeur brûlée dans les lenteurs, Ikue tisse des plans à la fois aérés et complexes, tandis que Kato pose ses instruments acoustiques divers comme des traînées de joyaux sur les fumerolles de paysages oniriques en perpétuelle métamorphose. Le titre éponyme est d'une beauté presque tactile, flûte puis violon éthérés survolant un sous-bassement percussif hâché de guitare incisive et d'autres accidents sonores, froissements, orages souterrains, rugissements électriques en crescendo de graves. Pourquoi "tactile", adjectif surgi à la frappe ? Cet effet vient sans doute du caractère sculptural  et visionnaire de la musique. Jamais le terme de matériau sonore n'a mieux convenu qu'ici, sans pour autant que le résutat soit une quelconque musique simplement concrète. "Drunken Forest" est un chef d'oeuvre de musique concrète poétique élaborée par des artistes accomplis.
Paru en juin 2007 chez Tzadik. 11 titres pour environ 54 minutes.
Pour aller plus loin
- une chronique en anglais (ici).
- Un extrait en écoute :
28 août 2009 5 28 /08 /août /2009 14:17

Meph.- Ton "portail" de reprise ne risque pas de décourager maints internautes ?
Dio.- Écoute, tu ne vas quand même pas me dire d'abandonner ma voie ?
Meph.- Certes non, mais là tu vas fort. Ennui mortel, diront beaucoup...
Dio.- Moi, je me réjouis d'accueillir enfin l'un de mes compositeurs favoris. C'est vrai qu'il est mort depuis 1987, est-ce pour cela qu'il ne faudrait plus en parler ?
Meph.- Tu sais bien que j'adore les morts, le problème n'est pas là.
Dio.- Je t'arrête. Pas de démagogie ici, et puis je t'abandonne la chronique suivante, qui te réjouira, je le sais.

  Morton Feldman (1926-1987) figure depuis longtemps au panthéon de l'émission INACTUELLES, et s'il apparaît seulement maintenant dans ce blog, c'est que la plupart de ses oeuvres ont paru avant 2007. Ce n'est pas la première version de ce long morceau de 88 minutes (qui occupe tout le premier cd et une partie du second), mais j'en profite au passage pour célébrer une belle réalisation du label æ æon. Livret bilingue français / anglais, très intéressant, et interprétation formidable d'Arne Deforce au violoncelle et Yutaka Oya au piano, puisque le double cd réunit des pièces pour ces deux instruments ( à l'exception de deux oeuvres pour violoncelle solo).
   "Patterns in a chromatic field" (1981)appartient à cette série d'oeuvres longues qui marquent la dernière partie de la vie du compositeur. Ami de John Cage, de beaucoup de peintres comme Marc Rothko, Jackson Pollock, Feldman était aussi passionné par les tapis orientaux, leurs motifs répétés, jamais tout à fait à l'identique. « Fais-le d'une manière et puis d'une autre. Écris-le d'une manière et puis d'une autre.» écrit-il significativement au sujet de sa musique. Feldman s'attaque ainsi au temps : « Ce qui m'intéresse, c'est d'obtenir le temps dans son existence non structurée. Ce qui m'intéresse, c'est la manière dont cette bête sauvage vit dans la jungle - non au zoo.Ce qui m'intéresse, c'est la manière dont le temps existe avant que nous posions nos pattes sur lui - nos intelligences, nos imaginations, en lui..» Au terme de "composition", qu'il trouve impropre, il préfère substituer l'expression "toiles de temps". Il étend des toiles de temps. La musique est image, surface, grille, série de symétries tronquées. Tout est mis en œuvre pour désorienter la mémoire : s'abandonner à la trame, oublier au fur et à mesure, ou du moins se souvenir le moins possible pour être suspendu dans le présent pur. Chaque motif est surgissement, stase. Rien ne se construit ou ne se développe, tout se succède par répétitions variées, si bien que cette musique aiguise l'oreille au lieu de la saturer. Ou bien l'auditeur décroche au bout de deux minutes, ou bien il tombe sous le charme extraordinaire de ce champ virtuellement infini de sons qui éclosent entre les marbrures et les ombres des silences. Le dépouillement produit le ravissement, une apesanteur d'une sensualité purgée de tout souci. En ce sens, et je ne sais pas si Feldman aurait approuvé le terme, on a affaire à une musique mystique dont le dieu est le son.
   « Ma définition de la composition est celle-ci : la bonne note au bon endroit sur le bon instrument.» Ce sens de l'économie délasse dans une époque qui a souvent tendance à se laisser aller à une débauche d'effets, qui confond dynamisme et précipitation. Le goût du son le rapproche de l'italien Giacinto Scelsi, d'une génération antérieure, et, dans une certaine mesure, de son compatriote américain né en 1953, John Luther Adams.
  Qu'ajouter à ces quelques remarques ? Offrez-vous le seul vrai luxe, disposez de 88 minutes pour écouter l'une des plus belles musiques qui soient, car elle nous requiert en entier. Pas question de bruit de fond, à la rigueur sur une route la nuit, l'impression est étrange, on flotte comme si on allait arriver dans un ailleurs absolu. Même chez soi, très vite on décolle du quotidien pour connaître " a love supreme" comme dirait l'autre. Plus rien n'a d'importance que ce temps retrouvé grâce à l'alternance de longs passages méditatifs et de courts segments plus heurtés. Comme souvent chez Feldman, le piano est l'instrument du Mystère, celui qui avance note à note, ou grappe par grappe, pour écarter les parois du monde obscur. Le violoncelle chante à peine, il se retient, refuse tout lyrisme ostensible : il se fait entendre, voilà tout, par delà les affects. Il est comme l'écho prolongé du piano, à peine se permet-il de petites fioritures sous forme de ritournelles obsédantes. Pourquoi en faire plus, en vouloir dire plus, quand le moins suffit à l'essentiel ? Il faut faire un effort pour s'arracher à ce monde d'intense paix, à ces prémices d'éternité.
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Double CD paru en février 2009 chez æon
Quatre pièces plus courtes complètent le programme, dont la très belle "Duration II (1960), pour violoncelle et piano également, la dernière piste.
En complément, une autre version de Duration II, ici avec un "s", par James Iman, piano, et John Thorell, violoncelle (le morceau semble s'arrêter avant la fin...)
8 août 2009 6 08 /08 /août /2009 19:16
   J'ai déconnecté...Je ne suis pas à Köln, mais Mark Pritchard s'y trouvait pour enregister ce morceau qui figure sur "When machines exceed human inteliigence", paru en février chez Warp records. Un peu de musique avant ma réapparition, si je sors indemne de ma lecture de Kafka sur la plage de Haruki Murakami...

1 août 2009 6 01 /08 /août /2009 11:29
   Tout lecteur de Cortázar vit une étrange aventure. Très vite, il se sent happé par l'écriture, comme aspiré par les phrases qui courent devant lui pour l'entraîner vers l'autre côté. Il a le sentiment d'une urgence à dire, qu'il ne faudrait surtout pas s'arrêter pour y parvenir en même temps que le personnage, peut-être même avant lui pour le prévenir du danger, ou plutôt pour connaître le premier le doux vertige de la chute mortellement belle "dans le volcan" au centre de tout.
  Un court chapitre de Marelle, ce roman étonnant où l'on est convié de sauter de case en case pour atteindre le Ciel, éclaire un principe fondamental de l'écriture de Cortázar. Il permet aussi de saisir le rapport étroit entre le jazz et ses écrits. Peu de jazz sur ce blog, mais l'Argentin lutécien me le fait comprendre de l'intérieur, tant ses personnages baignent dans cet univers musical qui lui a aussi inspiré l'une de ses plus fortes nouvelles, "L'Homme à l'affût" (dans le recueil Les Armes secrètes ), sur la fin de vie de Charlie Parker.
  Le chapitre 82 appartient à la série des "Morelliennes", pages dans lesquelles l'écrivain Morelli, double de Cortázar, livre ses réflexions sur l'écriture, la composition romanesque. Le voici :
  « Pourquoi est-ce que j'écris cela ? je n'ai pas d'idées claires, ni d'idées du tout. Il y a des bribes, des élans, des morceaux, et tout cela cherche une forme, alors entre en jeu le rythme et j'écris dans ce rythme, c'est lui qui me fait écrire, qui me pousse, et non pas ce qu'on appelle la pensée et qui fait la prose, littéraire ou autre. Il y a d'abord une situation confuse, qui ne pourra se définir que par le mot ; je pars de cette pénombre, et si ce que je veux dire (si ce qui veut être dit) a suffisamment de force, immédiatement le swing, le branle est donné, un balancement rythmique qui me fait émerger à la surface, illumine tout, fond dans cette matière confuse et celui qui en est la victime est une troisième instance claire et pour ainsi dire fatale : la phrase, le paragraphe, la page, le chapitre, le livre. Ce balancement, ce swing dans lequel la matière confuse prend forme, est pour moi l'unique preuve de sa nécessité, car à peine a-t-il cessé je comprends que je n'ai plus rien à dire. C'est aussi l'unique récompense de mon travail : sentir que ce que j'ai écrit est comme un chat qu'on caresse et dont le dos arqué, électrisé, se lève et s'abaisse tour à tour, en cadence. Ainsi, grâce à l'écriture, je descends dans le volcan, je m'approche des Mères, je me branche sur le Centre — quel qu'il soit. Écrire, c'est dessiner mon "mandala", et le parcourir en même temps, inventer la purification en me purifiant ; corvée de pauvre "shaman" blanc en slip de nylon. »
 ( N.B. J'ai conservé les italiques, ajouté le gras et la couleur.)
  Traduire le mot "swing" par le "branle", voilà aussi au passage une belle idée de Cortázar, lecteur de Montaigne et de Rabelais.
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P.S. J'inaugure une nouvelle catégorie, "La musique et les mots", qui glanera citations, réflexions diverses sur la musique de musiciens ou d'écrivains lorsqu'ils interrogent les rapports entre l' écriture et la musique.
27 juillet 2009 1 27 /07 /juillet /2009 13:52
J'ai découvert Mark Pritchard grâce aux compilations de la Red Bull Music Academy, cette rencontre internationale de DJs sélectionnés qui se réunit chaque année dans une ville différente, avec conférences, concerts, publications, et bien sûr une radio à la clef (vous la trouverez sur le site). Sur la compilation de cette année-là, j'avais tout de suite repéré "Call to arms", et j'attendais avec impatience la sortie du titre sur un cd. C'est chose faite depuis février de cette année, sur l'excellent label électro Warp. J'ai commandé de suite le disque sur une plate-forme connue, mais pas moyen, j'ai dû annuler, puis commander directement chez Warp, ce fut assez long, d'où mon retrard, mais vous êtes indulgents, n'est-ce pas ici un quasi-principe philosophique que de ne pas obéir promptement à toutes les sirènes tyranniques de l'actualité?
   Bref, Harmonic 313, c'est l'Australien de Sydney dans sa splendeur électro-robotique. Le voilà dans les pas de Kraftwerk et de bien d'autres, sans doute. Pour une techno-électro-dub minimale comme pour "Dirtbox" et "Cyclotron", les deux premiers titres, bandes-sons idéales pour film de science-fiction avec androïdes et autres créatures d'après l'homme. Coups de fouet rythmiques implacables, primaires, notes en paquets répétés, micro-modules en deçà de l'harmonie. Mais d'autres titres proposent une vision plus lyrique, voire flamboyante, de cet univers libéré de la sentimentalité humaine. C'est le cas notamment de "Köln", le titre 5, où l'orgue sinueux déploie une ligne sombre et mélancolique à l'"arrière des beats désaxés, ou encore du déjà sus-nommé "Call to arms", le morceau-phare, grand jeu cathédralesque de l'orgue qui sonne la charge derrière les percussions glacées et sons graves de basse en bourdon épais qui malaxent nos tripes pour le grand saut dans le trou noir de l'anti-matière, du gothique techno en quelque sorte pour une claque magistrale si vous l'écoutez comme il se doit, c'est-à-dire très fort... "Word problems", qui joue de manière lancinante du vocoder pour épeler le nom du groupe, est un autre grand moment de cet album inspiré : morceau très post-kraftwerkien, quand les robots deviennent presque facétieux, au final meilleur que "Battlestar", honnête morceau hip-hop encore trop humain...avec la participation  de Kat & Elzhi. "Falling away", second morceau avec une participation, celle de Steve Spacek, offre un bref répit presque émouvant quand l'homme réclame sa liberté. Mais la fin de l'album est sans appel : les machines triomphent, et c'est le court titre éponyme et le splendide titre final, "Quadrant 3" : six minutes qui ne dépareraient pas un album d'Autechre, morceau impérial dans son développement méta-mélancolique (si j'ose dire !) pour déblayer toutes les rengaines lacrimo-menteuses. N'ayez plus peur des machines, elles sont la dernière beauté d'un monde ravagé (le lecteur attentif ne manquera pas de voir le lien subtil avec l'article précédent...).

15 titres / Parution en février 2009 chez Warp records.
Pour aller plus loin
- le site Myspace de Mark Pritchard
- la page Harmonic 313 de Warp Records
- le titre "Call to arms" en vidéo fixe :