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Musiques Singulières

    Pour les amateurs de dépaysement, de découvertes. Formats longs bienvenus : prendre le temps de la musique !
    Index des musiciens à votre disposition dans la Catégorie du même nom.
Créé le 20 février 2007, ce blog prolonge une émission sur Radio Primitive, Reims, la plupart des lundis de 22 à 23 heures. 
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8 novembre 2016 2 08 /11 /novembre /2016 17:29
Douwe Eisenga - The Piano Files II

La musique du bonheur  

   Le compositeur néerlandais Douwe Eisenga nous gâte en ce moment. Après le très beau Simon Songs, le piano reste à l'honneur avec ses Piano Files II, son compatriote Jeroen van Veen toujours au clavier.

   Les Chants d'automne (titre en français) qui ouvrent l'album sont les dignes successeurs des Chants estivaux du Piano Files de 2009. Écrits pour quatre pianos, tous sous les doigts de Jeroen, ils nous entraînent irrésistiblement dans leurs mélodies tournoyantes, leurs éclats sereins et clairs. C'est une averse belle de notes vives, une folie joyeuse, comme une course dans les champs baignés de soleil, tantôt ralentie par une saine fatigue, tantôt prise d'accès de fougue incandescente. On ne s'arrête jamais, sauf une fois, épuisés de bonheur, avec une reprise toute en quasi sourdine d'une délicatesse élégiaque, et l'on se laisse aller dans une apesanteur rêveuse, doucement carillonnante. Magnifique !

   Kick, version pour deux pianos, commence par une introduction presque mystérieuse, le deuxième piano répondant comme par brèves monosyllabes décalées aux boucles obstinées et contournées du premier, puis le dialogue se fait plus égal. La marche se poursuit, tranquille, avant un bref silence et une reprise en accéléré. La pièce est une exploration brillante de motifs entrelacés typique d'un minimalisme que Douwe préfère nommer "maximalisme", puisqu'il tire le maximum d'un matériau limité, mais plus mélodique que dans le minimalisme et emprunte d'un rythme volontiers effréné, que je rattache aux musiques foraines, aux manèges, d'autant que "kick" signifie "ruade". La seconde partie de ces seize minutes est absolument éblouissante, d'une étincelante puissance, c'est tout juste si la coda nous laisse souffler.

   La suite nous propose une version pour deux pianos de son concerto de piano, en trois mouvements : plutôt vif, lent, puis animé et énergique. Le premier mouvement va caracolant à un rythme métronomique comme une machine bien huilée, avec de beaux aperçus contrapuntiques. Le second chemine doucement, câlin, dans des médiums ponctués de quelques aigus et d'un zeste de graves, d'où son aspect velouté, chatoyant, comme une draperie légèrement agitée par la brise, mais d'une grâce pudique de jeune fille dansant, à peine ondulante, avant de se lancer sans frein dans la joie du mouvement vers la fin, puis de revenir à sa retenue et de s'immobiliser. Le troisième mouvement propose d'abord la chevauchée exquise de deux cavaliers qui virevoltent, font des entrechats : rien d'appuyé, c'est d'une légèreté aérienne, puis le ton se fait plus grave, le morceau monte en puissance, la cadence devient obstinée, les variations serrées. Pièce diabolique, martelée avec une précision, une élégance incroyables. Et quel souffle, quelle jubilation dans ces ajours sertis de lumière, de la dentelle pianistique qui nous enserre dans ses rets pour notre plus grand plaisir !

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Paru en 2016 / 5 titres / 59 minutes environ / Disponible sur le site du compositeur seulement sous forme de fichiers compressés (hélas !), ce qui en dit long peut-être sur la diffusion difficile de beaucoup de musiques, à moins que ce ne soit un choix de la part du compositeur...

Pour aller plus loin :

- la page du site de Douwe Eisenga consacrée au disque.

- une mise en oreille sur soundcloud :

Programme de l'émission du lundi 7 novembre 2016

Florent Ghys : Monday morning /Thursday morning (Pistes. 5 - 6, 15'), extraits de bonjour (Cantaloupe Music, 2016)

Krotz Struder : Cap of lead / The Thought before (p. 8 - 9, 6'20), extraits de 15 Dickinson Songs (Wild Silence, 2016)

Grandes formes :

* Douwe Eisenga : Kick (pour deux pianos (p. 2, 16'10), extrait de Piano Files II (2016)

* Illuha : Diagrams of The Physical Interpretation of Resonance (p. 1, 17'14), extrait de Akari (12k, 2014)

1 novembre 2016 2 01 /11 /novembre /2016 15:20
Florent Ghys - Bonjour

   Contrebassiste et compositeur, le bordelais Florent Ghys a choisi de s'expatrier pour trouver enfin une maison de disque et un milieu musical réceptif à ses créations. C'est très logiquement qu'il a trouvé sa place chez Cantaloupe Music, le label de David Lang, Michael Gordon et Julia Wolfe, les fondateurs du Bang On A Can All-Stars. En effet, sa musique réfère autant au post-mimalisme qu'à un rock indépendant voire au jazz. Comme les trois américains, il crée une musique intense où la part acoustique reste forte, ancrée dans une instrumentation à base de cordes, mais avec percussion ou encore guitare électrique. Il est temps qu'il rejoigne bien d'autres musiciens que je défends, l'ayant repéré (grâce à Timewind) avant son départ pour les États-Unis pour des compositions magistrales dont je n'ai jamais rendu compte dans ces colonnes, allez savoir pourquoi.

   Avec Bonjour, il signe son quatrième disque sur Cantaloupe. Deux contrebassistes (dont lui, bien sûr), une violoncelliste, un guitariste et un percussionniste forment un orchestre de chambre restreint, chaque instrumentiste donnant aussi de la voix. Le disque a été enregistré en direct.

  La guitare électrique ouvre" Friday 3PM", le premier titre, avec quelques notes piquées en boucle, vite rejointe par le chœur puis les autres instruments dans une sorte de canon brouillé. La parenté avec l'univers de David Lang me semble toujours aussi patente : même patient constructivisme, même élaboration d'une pâte sonore de plus en plus dense passant comme par-dessus de menus déraillements, se tissant de réitérations en réitérations toujours plus lancinante, envoûtante. Avec des sonorités presque crues, à vif, nous entraînant jusqu'au bout du souffle des voix. "Wednesday" couple violoncelle et voix en courtes virgules répétées, sur lesquelles les autres instruments tissent un contrepoint capricieux et savant. On est proche du halètement, dans quelque chose de très sensuel, que la guitare suspend avant que la(les) contrebasse(s) ne s'en mêlent. Tout repart avec une rythmique brute, et chaque fois c'est la guitare qui casse la dynamique et la relance pour revenir au motif initial, avec une belle montée en puissance pour transcender la petite sauvagerie de chambre ! On s'accorde, on souffle à peine, c'est "Thursday afternoon", très rock au début dans son déhanchement, puis ça s'épaissit, on est dans un mouvement langien, la musique lève, se fait majestueuse dans ses glissandis. C'est parti, du grand Florent Ghys, le magnifique "Sunday", un abandon langoureux, beaux sons, une sérénité, une chaleur. La pièce procède par petites unités retouchées, fondues, prolongées, qui donnent naissance à des climats heureux. On entend des touches cristallines qui ponctuent l'avancée vers les hauteurs diaphanes. Froissement rapide des cordes sourdes, c'est "Monday Morning", puis silence, le violoncelle dialogue avec la guitare, l'atmosphère est ouatée, mystérieuse. On s'étire dans le murmure de voix multipliées, le mélodica pianote entre les cordes qui recommencent à frémir tandis qu'un battement grave de contrebasse s'amplifie, efface tout, puis le chant des instruments reprend, facétieux et animé,  pour se terminer dans une micro tempête échevelée, grinçante. "Thursday morning" semble plus élégiaque, mais tout autant fantasque en fait, il bavarde familièrement, c'est sans doute la pièce la plus proche du jazz, avec son allure improvisée. Sauf que les voix de retour brouillent les pistes, nous ramènent à vendredi, au premier titre. On s'aperçoit ainsi de l'aspect cyclique de l'album, plus concerté qu'il n'y paraît, capable en quelques mesures de passer certaines frontières musicales, la fin de ce "Thursday morning" fleurant bon une musique de chambre de bon aloi. Avec le dernier titre, "Tuesday noon around 12:21", il serait aussi bien minuit dans cette fantasmagorie tournoyante des cordes alanguies picorées de pizzicati. Le temps s'est arrêté, tourne en rond...

   Un album à déguster avant de vous perdre avec délices dans les méandres de compositions antérieures de Florent Ghys comme son Hommage à Benoît Mandelbrot (2011) ou GPS40 de 2010, dont vous trouverez la présentation sur son site (voir ci-dessous).

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Paru en 2016 sur le label Cantaloupe Music / 7 titres / 50 minutes environ

Pour aller plus loin :

- le site de Florent Ghys

- l'album en écoute (et à acheter) sur la page bandcamp :

- "Sunday" en direct :

24 octobre 2016 1 24 /10 /octobre /2016 09:11
Larry Polansky - Three Pieces for two pianos

   Cofondateur du collectif de compositeurs Frog Peak Music (qui comprend notamment Alvin Curran, Kyle Gann, Michael Byron, des compositeurs importants encore trop peu connus, présents sur ce blog) guitariste, mandoliniste et compositeur, enseignant en Californie, Larry Polansky allie algorithmes et chansons populaires américaines. Il a joué avec le guitariste Nick Didkovsky, chanté, publié aussi bien de la musique chorale, de chambre que des pièces pour piano ou électroacoustiques.

   Comme parfois, je ne rivaliserai pas avec le livret, érudit et technique, de Michael Winter. D'ailleurs, au diable la technique, les mathématiques, puisque ce qui compte c'est le résultat pour l'oreille, l'agrément que la musique est censée apporter à l'auditeur. Ce qui compte, c'est que la pièce éponyme (2006 - 2007), en quatre parties pour plus de trente-trois minutes, est un monument de la musique pour piano d'aujourd'hui. La pièce commence presque timidement, note à note, puis le second piano répond, vient se nicher en contrepoint d'une ligne au lyrisme limpide, méditatif, le mouvement s'accélère dans une sorte de ronde, le calme revient, une ligne monte, monte à nouveau, entourée de diffractions, d'éclats transcendantaux pour ainsi dire, retour au calme et lente remontée sourde dans un clapotis d'aigus. Superbe début post-lisztien avec une coda intériorisée. La deuxième partie s'ouvre quelque part entre Federico Mompou et Claude Debussy, raffinée, de plus en plus retenue dans sa mélancolie distinguée, émaillée de quelques dissonances. L'interlude qui suit reprend les matériaux du début précédent, matériaux qu'il allège de leur poids mélancolique. Avec la troisième partie, la plus longue, les quatre mains se lancent dans un curieux canon comme si quatre motifs à la Morton Feldman se croisaient, s'enchevêtraient, se chevauchaient. À mesure que s'étoffent et se diversifient les motifs,  se constitue un continuum diapré, micro fracturé, sous tendu par une ligne de basse profonde, tantôt calme, tantôt s'agitant jusqu'à créer des tourbillons ébouriffants. La pièce s'avance dans des vagues toujours plus hautes de médiums sur ce lit de graves, accompagnées d'une pluie erratique d'aigus carillonnants comme de fines gouttelettes vaporisées sous une vive lumière : c'est absolument magnifique et réjouissant, avec une conclusion en forme de descente chromatique irréelle.

   Avec "Old Paint" (2010, pour un seul piano), Larry Polansky retravaille une chanson traditionnelle de cow-boy, "I Ride an Old Paint" en flirtant avec l'atonalité : sur et autour de la ligne fluide de piano, la voix de Larry égrène les paroles, tandis que diverses percussions ponctuent la mélodie. C'est délicieusement improbable, ravissant. Les cinq "k-toods", fondées sur des mutations morphologiques, sont des pièces extrêmement vives, qui font un peu songer aux études de Conlon Nancarrow par leur virtuosité, leur polyrythmie proliférante, leur caractère endiablé pour tout dire, ce qui n'exclut pas de beaux passages rêveurs, ni un évident humour comme dans la quatrième, "baby pictures", espiègle, virevoltante, puis interrompue par des jurons, repartant comme une folle pour s'arrêter narquoisement à plusieurs reprises avant de s'emballer de plus belle. Un délice pianistique ! Ce petit cycle se conclut par une pièce moqueuse, tout en éclats rieurs, en arpèges étincelants.

   Les deux "Dismission" qui terminent le disque sont deux petits hymnes discrets pour un seul piano : rythme lent, avec de brefs mouvements vifs, comme des célébrations émues au bord du silence.

   Un disque remarquable pour découvrir l'un des grands compositeurs de notre temps.

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Paru en 2016 sur le label New World Records / 12 titres / 60 minutes environ

Pour aller plus loin :

- la page consacrée au disque sur le label : on peut y écouter des échantillons.

Programme de l'émission du lundi 26 septembre 2016 (oubliée...)

James Mc Vinnie ( musique : Nico Muhly ) : breaming Music / Fast Cycles (Pistes 13 et 12, 13'30), extraits de Cycles (Bedroom Community, 2013)

Richard Moult : Gone to ground / Mesonycticon /  (p. 4 - 5, 11'30), extraits de Aonaran (Wild Silence, 2013)

Midori Hirano : By the window / Night Traveling (p. 1 - 2, 8'), extraits de Minor Planet ( sonic Pieces, 2016)

Michel Banabila : Deep Space Mix (p. 7, 9'29), extrait de Earth Visitor (Tapu records, 2016)

Philip Glass : Notes on a scandal / Music in fifths (p. 16 - 17, 10'30), extraits de Glassworlds 4 / On love (Grand Piano / Naxos, 2016)

Programme de l'émission du lundi 17 octobre 2016

Florent Ghys : Thursday Afternoon / Sunday (p. 3 - 4, 15'20), extraits de bonjour (Cantaloupe Music, 2016)

Richard Moult : Rodorlihtung Part One and Two (p. 2 - 3, 15'), extraits de Rodorlihtung (For Evil Fruit, 2012)

Larry Polansky : old Paint / Dismission1 & 2 (p. 5 - 11 - 12, 11'10), extraits de Three pieces for two pianos (New world Records, 2016)

Douwe Eisenga : Les Chants d'automne (p. 1, 12'37), extrait de Piano Files II (2016)

25 août 2016 4 25 /08 /août /2016 14:24
Caleb Burhans - Evensong

   Violoniste multi-instrumentiste, compositeur notamment dans le cadre de son duo avec le guitariste Greg McMurray itsnotyouitsme, régulièrement présent dans ces colonnes, l'américain Caleb Burhans signe son premier disque sous son nom. Il est par ailleurs membre fondateur de plusieurs ensembles, dont Alarm Will Sound, appartient à la galaxie de musiciens collaborant aux disques du label Cantaloupe Music co-fondé par David Lang, Michael Gordon et Julia Wolfe.

 Agnostique, il rappelle qu'il a chanté pendant une vingtaine d'années dans les églises, ce qui explique sans doute la présence de trois pièces chorales, interprétées par le Choir of Trinity Wall Street, placées en 1, 4 et 7 de manière à encadrer les quatre autres pièces, orchestrales. Ce qui donne un disque atypique, à certains égards néo-classique, regardant vers la musique d'Arvo Pärt, mais aussi bien sûr vers la mouvance post-minimaliste, voire ambiante.

   Le "Magnificat" ouvre magnifiquement ce disque que j'ai failli manqué (sorti en 2013). C'est mon tube de l'été. Voix féminines et masculines alternées, orgue d'église : musique suave, d'un bel élan très pur, avec de mœlleux glissandis vocaux. C'est ravissant, frais, un véritable baume pour oublier toutes les laideurs du moment. L'ensemble Alarm Will Sound interprète les deux compositions suivantes. "Amidst Neptune", plus de onze minutes, est une pièce qui donne la part belle au violon, langoureux, rejoint par les autres cordes. Avec ses boucles étirées aux ponctuations percussives espacées, sa lente montée en puissance, il s'inscrit dans un post-rock teinté de minimalisme de bon aloi. Quelques voix se joignent à la lente incandescence musicale, puis un passage au piano accompagné au départ du violon dans des aigus lointains emporte la composition vers d'autres rivages, rêveurs et mystérieux, peut-être sommes-nous sur le bateau d'Ulysse et ses compagnons entendant le chant des sirènes, les cordes se font insidieuses et tentantes, des vagues menacent la tranquillité du voyage, le bateau poursuit sa route solaire malgré le chant sublime..."Iceman Stole the Sun" commence par une attaque plus reichienne, adoucie par les virgules féminines de la suite : la pulsation reste incisive, nerveuse, menée avec brio par Alarm Will Sound. Les quatre dernières minutes décrochent étonnamment en nous proposant une première version du thème central d'Excelsior, la très longue composition de Caleb interprétée par le Fifth House ensemble sur un disque paru chez Cédille Records l'année suivante, en 2014.

Huitième plage pour les presque 31 minutes de la pièce éponyme de Caleb.

Huitième plage pour les presque 31 minutes de la pièce éponyme de Caleb.

   On retrouve le chœur de Trinity Wall Street associé à Alarm Will Sound  pour "Super Flumina Babylonis", placé au centre de l'album, beau choral intemporel inspiré du psaume 137 sur lequel plane l'ombre d'Arvo Pärt, suivi par un chef d'œuvre interprété par Alarm Will Sound, "Oh ye little faith (do you know wher your children are ?)", transcendé par le glockenspiel et le clavecin. C'est un titre magique : le violon semble glisser en apesanteur sur le lit de sons frappés. Les autres instruments se fondent ensuite dans un continuum mélodieux d'une immense douceur un brin élégiaque, çà et là éraflé par une dissonance, avec une coda presque explosive étonnante.

   Le Tarab Cello Ensemble interprète "The Things Left Unsaid", tissage serré de motifs dans un crescendo puissant, comme si les violoncelles nous ensorcelaient en nous enlaçant de plus en plus étroitement, puis nous relâchaient après un bref silence, se contentant alors de quelques mouvements d'une danse épurée. Le chœur de Trinity Wall Street conclut avec "Nunc Dimittis" : "Maintenant, laisse partir (ton serviteur / ton auditeur, ici...)". Motet d'une suprême élégance !

   Un fort beau disque, donc, à écouter sans modération ! Ne le manquez pas !

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Paru en 2013 chez Cantaloupe Records / 7 titres / 60 minutes.

Pour aller plus loin :

-la page de Bang On A Can consacrée à l'album.

- l'abum en écoute sur bandcamp :

10 mai 2016 2 10 /05 /mai /2016 09:16
Land - Anoxia

   Musique augmentée pour un monde transhumaniste

   En mai 2013, j'avais brièvement célébré le premier opus de L A N D, Night Within, sorti en 2012 chez Important Records, un label dont l'importance ( ah ! ah !) ne cesse de croître pour moi. Du duo central Daniel Lea / Matthew Waters ne reste que le premier. Avec le second, c'est la couleur jazz qui est partie. Reste que Daniel Lea s'est formidablement entouré et a nettement affirmé son univers. Il a composé et produit Anoxia, sorti en 2015 chez la même maison de disque. En français, l'anoxie est une souffrance cellulaire induite par le manque de dioxygène présent dans le sang ou dans le milieu extérieur ; elle peut désigner une asphyxie du cerveau.  Quel rapport avec ce disque mixé par l'australien Ben Frost, qui officie du côté des musiques expérimentales et bruitistes ? Justement ! Dès le sombre "Labyrinthis", propulsé  entre battements percussifs et halètements, raclements, sourdes déflagrations, l'auditeur est plongé dans un monde noir, étouffant, saturé de percussions en tout genre ( percusssions à maillet, à archet, tuyaux de cuivre, batterie, crotales...). C'est un monde dévasté peut-être par un incendie gigantesque, devenu un immense antre de Vulcain : on y forge l'après de l'homme dans une sorte d'euphorie transhumaniste. "Neutra" confirme l'alliance contre-nature des percussions les plus brutes et des sons électroniques les plus élaborés : quelle exaltation ! Le shakuhachi de Clive Bell hante, déchire quelques titres, souvenir d'un passé complètement dépaysé dans un univers bruitiste extraordinaire. Passé les trois premiers titres, on rentre dans le cœur brûlant de ce disque nonpareil. C'est le génial "Metamorphosis", une claque grandiose : un rituel méthodique et halluciné qui commence par des chœurs lointains, vite relayés et submergés par des percussions épaulées par des vagues hachées de sons électroniques et de terrain. Musique tribale et bruitiste, à couper le souffle, d'une puissance sidérante et en même temps parsemée de cloches, incroyablement belle. Pour l'avoir fait écouter à des passagers en voiture, de nuit, je vous garantis qu'ils s'en souviennent , qu'ils étaient sidérés par cette musique phénoménale. "Seconds" poursuit l'envoûtement de "Metamorphosis", digne d'Annie Gosfield et de Pantha du Prince réunis pour une transe fabuleuse. Le tam tam de Mark Wastell, présent par ailleurs sur trois autres titres, rythme le lent et proliférant "Equinox", envahi par une sorte de jungle électronique peuplée de voix fantomales. "Transition" est d'une inquiétante noirceur, chant de marteau piqueur au ralenti traversé de voix lointaines, de striures de guitare traitée (celle de Leo Arahams, présent sur deux autres titres), tout cela débouchant sur le titre éponyme, véritable antre d'un autre monde, tuyaux de cuivre et percussions déchaînés, orchestre gamelan du futur opérant en boucles incantatoires dans une atmosphère saturée de résonances. Magnifique ! Et nous voici dans la "End zone" carillonnante de percussions, fracturée comme du Andy Stott !

   Quel disque ! Parmi les musiciens qui entourent Daniel Lea, mentionnons Rupert Clairvaux (une piste que je vais explorer, car ce monsieur a l'air de composer des choses passionnantes !) à la batterie, aux percussions les plus diverses, Jamie McCarthy au violoncelle, aux percussions à archet et aux tuyaux de cuivre. Évidemment l'un des meilleurs disques de 2015, au croisement des musiques électroniques, expérimentales, bruitistes et post-industrielles...difficile à classer ! Je le range dans "Musiques contemporaines - expérimentales" comme Nurse With Wound, Andy Moor et Yannis Kyriakides : le voisinage est éloquent, j'espère !!

Paru en  2015 chez Important Records / 9 titres / 42'.

Pour aller plus loin :

- la page du label consacrée à l'album.

- le site de l'album.

- les trois derniers titres (qui n'en forment qu'un) en écoute sur cette fausse vidéo :

- le sommet des sommets, "Metamorphosis" :

Programme de l'émission du lundi 9 mai 2016

Tim Hecker : Obsidian Counterpoint / Music of the air / Bijie dream (Pistes 1 à 3, 11'30), extraits de Love streams (4AD, 2016)

L A N D : Neutral / Drop city / Metamorphosis (p. 2 à 4, 18'), extraits de Anoxia (Important Records, 2015)

202 Project : Sauvagerie / Pour de bon (p. 9 - 10, 6'33), extraits de Les Cendres et le vent (202Prod, 2016)

Julia Kent : Ebb / Flicker / Fall (p. 1 - 3 - 5), extraits de Character (The Leaf Label, 2013)

Ryan Teague : Cadastral Survey / Cascades / Prime Movers (p. 2 - 3 - 6, 9'30), extraits de Field Drawings (Village Green, 2011)

19 avril 2016 2 19 /04 /avril /2016 15:53
Douwe Eisenga - Simon songs

   Je retrouve avec plaisir le compositeur néerlandais Douwe Eisenga à l'occasion d'un cycle de pièces pour piano intitulé Simon songs paru en 2015. Pour de plus amples renseignements le concernant, je renvoie à mes articles consacrés à Music for Wiek (2009), The Piano Files (2009) et House of Mirrors (2011), qu'il faudra que je mette à jour pour les extraits musicaux, d'ailleurs. Pour ce nouveau cycle, Douwe Eienga s'est inspiré d'un recueil de vieilles et nouvelles mélodies paysannes et danses de concert de son pays, "Oude en Nieuwe Hollantse Boerenlieties en Contredansen" publié entre 1700 et 1716. De cette collection de 996 mélodies, il a retenu les seize premières, tantôt suivant d'assez près l'air, tantôt n'en gardant que quelques notes. Le résultat, c'est un disque vraiment prenant, alliant douce mélancolie et rythmes lancinants.

   Ces mélodies chantent, belles et tranquilles. Douwe Eisenga sait à merveille nous plonger dans une intemporalité dont nous pourrions très bien ne plus jamais sortir. Son minimalisme, qu'il qualifie de "musique maximale", tisse un réseau de liens thématiques entre les titres, joue sur des variations qui capturent en effet l'auditeur, dégageant une ambiance sonore reconnaissable. Il y a comme un parfum qui se dégage de ces pièces, quelque chose d'impondérable et mystérieux se glisse au cœur de ces mélodies apparement évidentes. J'ai songé parfois en les écoutant au si beau disque de Michael Vincent Waller, The South Shore, ou à ses douze pièces faciles pour piano. Cette musique agit comme un charme. Elle a une qualité de grâce, de beauté, de rêve, de noblesse qui a le pouvoir de plaire extrêmement (c'est l'une des acceptions du mot développée par le TLF). Sa fluidité vaporeuse nous imprègne, nous fait frissonner. Toutes les pièces sont belles, mais je préfère encore les plus longues, notamment la plus longue, la 5, de presque sept minutes. Là, le charme agit jusqu'au vertige, d'autant que la pièce est comme trouée de trois silences qu'on pourrait à chaque fois penser mettre un terme au morceau, alors que la musique reprend, qu'elle nous reprend, serrant plus fort les liens. Elle prend peu à peu la figure d'un labyrinthe infini, fabuleuse, développant une sorte de mouvement perpétuel dans lequel on finit par entendre comme des cloches, un appel à venir se perdre dans la suavité de la musique. La pièce 6, l'une des plus brèves avec ses deux minutes et trente-cinq secondes, est plus nettement carillonnante, calmement grave, puis réfractée dans une poussière d'aigus aplatis. La 7 est intense, vive, inspirée d'une des contredanses du recueil ; elle se regarde tourner, ralentit, repart. Comment ne pas penser aussi à Wim Mertens ? Musique foraine, éblouissante, éblouie, qui caracole et pétille comme dans la mélodie 9. Tandis que la 10 joue à cache-cache, malicieuse et pudique, que la 11 se grise d'elle-même dans une mayonnaise rythmique se terminant par une pirouette. [Je préviens au passage mes lecteurs que les références aux numéros centraux peuvent être inexactes, car lors du téléchargement, j'ai pu intervertir...]. En tout cas les 13 à 16, toutes supérieures à quatre minutes, sont magnifiques. Quels beaux développements, quelle sensibilité frémissante ! Quelle puissance aussi, comme dans la 15, aux boucles serrées, intriquées ! La 16, dernière pour le moment, est touchante dans son avancée précautionneuse, ses pas de côté, l'espoir qui vient parfois éclairer l'atmosphère élégiaque. Ce minimalisme-là, qui sait jouer de la lenteur, des silences, voilà qui tire aussi la musique de Douwe Eisenga de l'ornière d'un minimalisme tellement épris de plein qu'il peut donner une nausée que je reprochais amicalement à certains passages de son House of mirrors.

   Pour paraphraser Brassens, tout est excellent dans ce disque interprété par Jeroen van Veen, il n'y a rien à jeter !

Paru en  2015 (ni cd ni vinyle, hélas, édition exclusivement numérique) / 16 titres / 61 minutes environ.

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Pour aller plus loin

- le site du compositeur, sur lequel vous pourrez vous procurer l'album pour un prix modique et écouter plusieurs titres.

- Un florilège d'extraits à écouter sur un autre onglet de  la page de Douwe, c'est tout ce que j'ai à vous proposer !

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Programme de l'émission du lundi 28 mars 2016

Bruit Noir : La Province (Piste 6, 4'37), extrait de I/III (Ici d'ailleurs, 2015)

Douwe Eisenga : Simon songs 1 à 5 (p. 1 à 5, 20'), extraits de Simon songs (édition numérique, 2015)

Piiptsjilling : Slieperswaar ( 19'34), piste unique de Slieperswaar (Édition limitée de mini cd, 2015)

 Ernst Bloch : Danse (p. 5, 7'54), extrait de Muhly & Bloch / Zuill Bailey (Steinway & Sons, 2015)

Programme de l'émission du lundi 18 avril 2016

Bruit Noir : Low Cost (Piste 8, 4'02), extrait de I/III (Ici d'ailleurs, 2015)

Institut : Cette arme et ces menottes ne sont pas les miennes (p. 9, 2'59), extrait de Spécialiste mondial du retour d'affection (Quadrilab, 2016)

Douwe Eisenga : Simon songs 6 à 10 (p. 6 à 10, 18'), extraits de Simon songs (édition numérique, 2015)

Simon Whetham : things just fall where they want to / the innocence of deceit (p. 1 - 4, 22'), extraits de what matters is that it matters (Baskaru, 2012)

Nadja Vampillia : Avalanche (p. 3, 8'06), extrait de The Perfect world (Important Records, 2013)

 

8 mars 2016 2 08 /03 /mars /2016 15:49
Nicolas Horvath - Glassworlds 3 Metamorphosis

   Une lecture transcendante de Glass

   Troisième volume de l'intégrale des œuvres de Philip Glass, qu'elles aient été composées pour le piano ou transcrites pour cet instrument, interprétées par le pianiste Nicolas Horvath, Glassworlds 3 Metamorphosis confirme ce qui était déjà audible - et revendiqué nettement - dans les deux précédents disques : le pianiste explore « un univers dense, profond mais sensible et qui ne demande qu'à être découvert ». Sa démarche, c'est une approche en effet sensible, romantique, celle d'un homme libre qui s'aventure dans les partitions pour en extraire les beautés. Pas de respect obligatoire d'une interprétation qui serait intangible. Je rappelle que pour les détails techniques ou les références des pièces, je renvoie à l'excellent livret, aux notes du pianiste. Je me place du côté de l'auditeur amateur, des effets produits.

   Comme le disque s'ouvre sur les fameuses Metamorphosis, tout amateur de la musique de Philip Glass ne manquera pas d'écouter la version que le compositeur en a donné dans le disque Solo piano paru en 1989 chez CBS. Les différences sont importantes. La plus extérieure est dans l'écart de durée pour quatre pièces sur cinq. Trois sont plus longues, comme la I : 5'39 chez Philip, 7'17 chez Nicolas. Une est plus courte, la III : 5'30 chez Philip, 3'29 chez Nicolas. Ce n'est pas une première dans l'histoire de la musique, bien sûr. Nicolas prend son temps, le dilate ou le concentre, selon son humeur. Le résultat, ce sont les différences intérieures : c'est qu'il nous propose une lecture vraiment nouvelle de celles-ci. Philip Glass les joue avec un dynamisme, une clarté, assez similaires, j'ai presque envie d'écrire avec une neutralité brillante, à même de souligner la virtuosité, les variations thématiques d'une écriture combinatoire. Nicolas Horvath plonge dans la forêt des notes, s'abandonne dans les allées du labyrinthe. Tout est plus mystérieux, plus varié, plus imprévu. On se perd dans la forêt au long de la I : tout baigne dans une pénombre reposante, et il faut aller cueillir au détour des sentiers invisibles quelques fulgurances lumineuses éparses. Il y a parfois une incroyable douceur, une indicible langueur, comme s'il hésitait devant un Graal intimidant, qu'il faut apprivoiser par des approches courtoises. À d'autres moments, la fougue s'empare de lui, les notes sortent en torrent pressé ; une énergie indomptable emporte l'auditeur, impressionné par la frappe étincelante, acérée, comme dans la Metamorphosis IV, magnifiquement bousculée, extraordinaire de clarté illuminante. On se souvient que Nicolas joue Liszt, on comprend que Nicolas transcende Glass, pour notre plus grand plaisir. Les contrastes sont puissants sans être jamais brutaux ou vulgaires, car l'interprétation reste constamment délicate, attentive, précise. Après les envolées des pièces III et IV, la Metamorphosis 5 referme le cycle sur des brumes épaissies, peut-être parce qu'on ne sort pas du cycle des métamorphoses, on plonge à nouveau dans les mystères de la vie. Quelle lecture formidable, magistrale !

   Le disque propose aussi la Trilogy sonata, trois pièces transcrites pour le piano par Paul Barnes, extraites de trois opéras « portraits » du compositeur. La danse d'Akhnaten est éblouissante, virevoltante, comme l'épiphanie de la lumière sur les pyramides. La conclusion de Satyagraha bouleverse par le lyrisme de sa mélodie ascendante, grave, irrésistible comme la marche du Sel de Gandhi, inoubliable par sa beauté radieuse. Un antidote contre toutes les morosités ! L'intermède "Knee Play n°4" extrait de Einstein on the beach alterne une mélodie coulante simple et belle avec des moments tumultueux d'arpèges enchevêtrés. Nicolas distingue à merveille les deux strates qu'il entrelace avec une incroyable subtilité, presque un brin de facétie et dans le même temps un immense respect.  

   À ce programme ambitieux le pianiste a joint une de mes pièces préférées de Philip Glass, "Two Pages" (1968), joyau de la musique minimaliste dure. Fondée sur un processus additionnel de groupes de croches, elle crée très vite un effet hypnotique saisissant (ou de décrochement pour l'auditeur qui n'entend que le faussement même...) avec lequel Nicolas Horvath semble très à l'aise. C'est impeccable, "métronomique" et simultanément flamboyant comme un tapis chatoyant de courtes flammes piquées de pointes, véritable tapis volant de la grande maya, cette nature illusoire du monde pour les Hindous, mais également incarnation de la géométrie et de la sagesse éternelle.

   On appréciera la générosité de ce disque, qui nous donne aussi à entendre des pièces rares ou inédites : la petite pièce pour la cérémonie d'ouverture des vingt-troisièmes jeux olympiques, petit format pour une ode vibrante, grandiose, qui ménage pourtant un passage introspectif avant l'ascension finale. "The Late, Great Johhny Ace" appartient à la famille glassienne des ballades élégiaques, presque transparentes de limpidité. "A Secret solo" est au contraire une courte pièce effrénée, délirante, inspirée par les transes des ragas indiens : superbe curiosité ! Enfin, la"Piano Sonatina N°2" de 1959, qui clôt l'album, est un souvenir émouvant de l'itinéraire musical de Philip Glass, alors élève de Darius Milhaud. Il se dégage de cette pièce mise de rien savante un parfum post-debussyste délicieux, à mi-chemin entre fantaisie et rêverie.

   

Nicolas Horvath - Glassworlds 3 Metamorphosis

   Inspiré d'un bout à l'autre, Nicolas Horvath nous fait découvrir pour notre plus grand bonheur un autre Philip Glass, plus humain, où la technique n'est plus qu'un chemin vers les grandes sources énigmatiques, mythiques et magiques, de la vie. Que nous réserve Nicolas Horvath pour la suite de ces mondes de Glass ?

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Paru en  2015 chez Grand Piano / Naxos / 13 titres / 77 minutes.

Pour aller plus loin :

- le site de Nicolas Horvath

- mes articles consacrés à "Glassworlds 1", "Glassworlds 2"

- Nicolas Horvath au piano :

Programme de l'émission du lundi 29 février 2016

Philip Glass : Trilogy sonata (p. 11 - 9 -7, , 20'), extraits de Glassworlds 3 Metamorphosis (Grand Piano / Naxos, 2015) Piano : Nicolas Horvath

Christina Vantzou : Cynthia / Stereoscope (p. 8 - 9, 13'), extraits de N°3 (Kranky, 2015)

Grande forme :

* Duane Pitre : Bridges : Cup / Aether / Crane (p. 2, 17'32), extrait de Bridges (Important Records, 2013)

Programme de l'émission du lundi 7 mars 2016

Hommage à Jean-Luc Fafchamps :

* Jean-Luc Fafchamps : Back to the voice (Piste 3, 15'20), extrait de Back to... (Sub Rosa, 2013)

                                                          Quatuor pour deux pianos (p. 1, 17'10), extrait de Attrition (Sub Rosa, ?)

Comme je cherchais la date de parution de ce dernier disque (en vain), j'ai vu sur une certaine plate-forme commerciale qu'il est proposé à plus de 115 euros !!! Il les vaut, entre nous !

Piano / guitare : deux versions de "Two Pages" :

Philip Glass :  Two pages (p. 12, 12'10), extrait de Glassworlds 3 Metamorphosis (Grand Piano / Naxos, 2015) Piano : Nicolas Horvath

                              Two pages (p.6, 17'49), extrait de Deviations (Cantaloupe Music, 2005) Arrangement de Dominic Frasca, guitare. Superbe disque, non chroniqué, mais que j'ai fait figurer dans mon classement de 2005.

19 janvier 2016 2 19 /01 /janvier /2016 16:22
The Necks - Vertigo

   Dix-huitième album du trio de jazz expérimental de Sidney The Necks, Vertigo a de quoi me réjouir. D'abord parce que les étiquettes ne tiennent pas devant cette marée sonore de plus de quarante minutes. Certes, le jazz renvoie à une pratique de l'improvisation, mais dont il n'a pas le monopole. Si improvisation il semble ici y avoir, force est de constater qu'elle renvoie plus évidemment du côté d'une pop expérimentale ou des musiques expérimentales en général. Par ailleurs, la couleur de l'ensemble renvoie aux musiques ambiantes, voire aux musiques électroniques à base de drones, même si les drones sont semblent-ils générés ici à partir des instruments acoustiques exclusivement coùù semble le dire la présentation de bandcamp.

   Bref, le résultat est une musique de traverse, selon la belle formule d'un ancien festival de musique. Et quelle musique ! Sous-tendue par un flux de drones, elle charrie couleurs et textures, animée par les interventions de Chris Abrahams au piano et aux claviers, de Tony Buck à la batterie, aux percussions et à la guitare électrique, de Lyoyd Swanton à la guitare basse et à la contrebasse. Comme une mer étoilée qui scintille - sur les quatre plats de la pochette ! - elle est tour à tour lumineuse ou obscure, calme ou agitée, parcourue de frissons, de friselis de clochettes, d'arpèges souverains, de cassures et soulèvements soudains. Elle gronde, ronronne, chante, halète. La même et toujours différente. Sa surface laisse émerger sans cesse des motifs qui s'entrelacent, acquièrent une vivacité incroyable. Vertigo est un hymne à la renaissance perpétuelle, aux métamorphoses. La lumière ne cesse de triompher des ténèbres sous-jacentes, informée par elles devrait-on dire pour ne pas sombrer dans un dualisme qui ne convient pas ici. Les drones, profonds et graves, ne sont pas noirs ou sombres pour autant : ils sont le substrat, la matière première que les instruments découpent, animent dans un gigantesque mouvement de sculpture sonore, avec des passages dignes d'un Fred Frith. L'orgue Hammond, associé aux cymbales, donne en effet à certains passages leur petit parfum jazz. Je ne chipote plus sur les catégories, enchanté par cette musique qui se permet de belles incartades sans les drones vers la vingt-et-unième minute, moments magiques, extatiques et mystérieux qui se mettent à onduler, parcourus de froissements, de déchirements secs, les drones revenant comme subrepticement se placer sous la scansion de la batterie et les égarements de la guitare, l'euphorie douce et lancinante du piano vaporeux à souhait (presque comme dans certaines pièces d'Harold Budd). Suit une longue danse quasi immobile, absolument magnifique, qui se résorbe après quelques perturbations percussives en une vague d'orgue envahie de bruits, de guitare saturée, ponctuée de frappes percussives plus sourdes, comme si l'on approchait d'une fusion. La pièce prend des allures magmatiques, gonflée de ronflements, d'oscillations vers des aigus étouffés. Elle continue d'avancer, de sidérer l'auditeur par sa beauté rentrée, dense, travaillée par des événements sonores imprévus qui ne sont pas sans me faire penser à Nurse With Wound ! J'adore la fin dignement déglinguée de cette pièce nonpareille.

    À l'évidence un des grands albums de 2015 !

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Paru en octobre 2015 chez ReR Megacorp / 1 titre / 43'57 minutes.

Pour aller plus loin :

- je choisis la version Youtube, qui me paraît moins sourde que sur bandcamp :

 

- Disponible sur bandcamp :

 

Programme de l'émission du lundi 11 janvier 2016

Philip Glass : Études n°s 15 à 17 (Pistes 15 à 17, 14'30), extraits de Glassworlds 2 (Grand piano / Naxos, 2015) Piano : Nicolas Horvath

Giya Kancheli : Miniatures from Simple Music s 28 - 17 - 10 - 22 (p. 7 à 10, 5'30), extraits de Midwinter Spring (Kha Records, 2015) Piano : Alessandro Stella

Padna : Threatening Weather (p. 5, 8'), extrait de Alku Toinen (Aagoo / Rev, 2015)

Charlemagne Palestine : Partie 1 (p. 1, 26'11), extrait de the golden mean (shiiin, 2006)

Programme de l'émission du lundi 18 janvier 2016

Institut : La majestueuse baie de Wellington / Tu préfères courir dans le désert (p. 2 & 3, 6'20), extraits de Spécialiste mondial du retour d'affection (Quadrilab, 2016)

Hommage à Christina Vantzou :

Christina Vantzou : And Instantlly Take Effect (p. 8, 7'02), extrait de N°1 (Kranky, 2012)

                                                 And Instantlly Take Effect (p. 2, 6'59), extrait de Remixes n°1  (2012)

                                                 Prelude for Juan (p. 2, 4'26), extrait de N°1 (Kranky, 2012)

                                                 Prelude for Juan (p. 4, 4'20), extrait de Remixes n°1  (2012)

                                                 Anna Mae / Vancouver Island / Vostok (p. 1 - 5 - 10, 8'), extraits de N°2 (Kranky, 2014)

                                                 Pillar 3 / Robert Earl (p. 3 & 4, 13'10), extraits de N°3 (Kranky, 2015)