Inactuelles, musiques singulières

J'y reviens, il me hante. Pour moi l'un des très grands de la musique dite atmosphérique, tout simplement une porte ouverte vers l'ailleurs, le trouble mystère du monde. Comme je n'ai pas le temps de chroniquer l'un des disques de ce musicien grec, je vous propose pour l'instant un choix des très belles vidéos réalisées pour la sortie de l'album Ten Numbers.

Paru en 2008 chez Creative Space / 10 plages / 52 minutes environ

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(Nouvelle mise en page + ajout d'illustrations visuelles et sonores le 14 décembre 2020)

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Autechre à ses débuts : "Incunabula" et "Amber"

"Incunabula", sorti en 1993 chez Warp records, et "Amber", l'année suivante sur le même label, inaugurent la carrière d'un des groupes phares de la musique électronique. Comme tout a été dit, ou presque, sur eux, je laisse parler les titres, les couvertures et la musique. Des incunables d'ambre, assemblage merveilleux qui fait rêver. Qui a dit que la musique électronique était froide et sans âme ?
Meph.- Ce serait désolant. De toute façon, c'est impossible, même pour la musique, car elle procède de l'homme, qui en a une.

Dio.- Tiens, te revoilà. Tout à fait d'accord avec toi, même si au mot "âme" je préfère le mot "esprit", je le signale en passant. J'ai envie de me rouler dans le sable de la pochette d' "Amber", de dévaler la falaise ravinée, découpée en milliers de cônes, comme leur musique, tout en facettes prismatiques.
Meph.- Tu fais dans le joli. Je préfère les incunables, avec leurs lettres gothiques. On y parle beaucoup de moi et de mes sectateurs. Regarde la pochette, ça tremble, ça s'effrite, et ça se pulvérise. Tout à fait comme quand je tente un humain. Leurs belles résolutions se fendillent, je me faufile par les interstices. Et j'anime le bal.
Dio.- Je continue à rêver. Un berceau d'ambre, l'enfance de leur art, l'alpha et l'epsilon. L'ambre des sons dans le berceau des soirs d'or...Le velouté et le moelleux qu'ils semblent renier avec "Quaristice".
Meph.- Il faut bien perdre son duvet, vieux rêveur !
Incunabila : Paru en 1993 chez Warp Records / 11 plages / 77 minutes environ

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Amber : Paru en 1994 chez Warp Records / 11 plages / 74 minutes environ

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Autechre : "Quaristice", le monde en morceaux.

Sean Booth et Rob Brown signent avec les vingt titres de ce neuvième album une oeuvre toujours aussi méticuleusement abstraite, mais qui surprendra plus d'un amateur du duo par la brièveté des morceaux et le caractère à première écoute disparate de l'ensemble. L'impression d'une série de chutes, d'un univers en lambeaux. Quelques parcelles d'ambient flottent dans un univers tout en hachures, en pointillés. L'électronique glacée refuse toute emphase, laisse surgir des froissements, des chiffonnements interrompus comme dans "Fol3". Elle est souvent en apesanteur, presque fantaisiste dans ses déhanchements imprévus, et cela donne le superbe "Simmm", le dégingandé "Perlence", "Plyphon" troué de partout par des marteaux-piqueurs, qui bute sur des notes bloquées. La musique tend vers le micro-borborygme, s'éparpille en nuages magnétiques de poussières traversés de courtes zébrures. Panorama d'un univers déconstruit, qui survit à peine, comme s'il se retenait, avait peur de trop se montrer, la vie dans les plis des polyrythmies géométriques. L'album est loin d'être désagréable, mais se veut tout sauf séduisant. Il hésite entre pièces paralysées, à l'hiératisme presque poussif comme "WNSN", et titres affolés dans le vide comme "Chenc9", écartelé entre percussions implacables, claviers en boucles rapides, titre superbe d'ailleurs. La fin de l'album corrige un peu cette trajectoire émiettée par des plages plus longues, mélodico-planantes comme "Notwo", ou incantatoires comme "Outh9X", sept minutes de minimalisme raffiné et envoûtant.
Paru en mars 2008 chez Warp records / 20 plages / 72 minutes environ
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Et un remix ambiant superbe de "Notwo"...

(Nouvelle mise en page + ajout d'illustrations visuelles et sonores le 13 décembre 2020)

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John Luther Adams, le désert lumineux de la sensation pure.

John Luther Adams par Donald Lee

   Après avoir célébré For Lou Harrison (l'article comporte une notice biographique) sorti en 2007 chez New World Records, je reviens vers ce compositeur majeur, pratiquement inconnu en France. " Je ne veux plus être en dehors de la musique, l'écouter comme un objet séparé. Je veux habiter la musique, être totalement présent et à l'écoute de cet espace infini que Malevich appelait "un désert de sensation pure." affirme-t-il. Sur cette photographie, il est dans un espace d'écoute qu'il a conçu pour une installation sonore et lumineuse, "The Place Where You Go to Listen", dans le Museum of the North de Fairbanks, en Alaska. Cette expression fait référence à Naalagiagvik, un lieu au bord de l'Océan Arctique où, selon la légende, une femme Inupiaq (une branche des Inuits)spirituellement sensible se rendait pour écouter les chants des oiseaux, des baleines et des choses invisibles qui l'environnaient. Assis sur le banc dans cette salle aux murs blancs, l'auditeur peut se tourner ou non vers cinq panneaux de verre qui changent de couleur selon l'heure et la saison. Ici, dans ce lieu que je ne connais pas, avec cette musique qui réagit aux petits tremblements de terre locaux ou au degré de luminosité du ciel, que je n'ai pas entendue, mais que j'imagine, John Luther Adams poursuit son rêve, celui d'une musique qui épouse l'espace, informée par le lieu secret sous tous les lieux. Avec lui, comme chez Morton Feldman qu'il admire, toute musique s'étire pour remplir l'espace, au point d'être virtuellement infinie. Elle est consubstantiellement méditation, abandon, dissolution des frontières.
    "Le blanc n'est pas l'absence de couleur. C'est la plénitude de la lumière.
Le silence n'est pas l'absence de son. C'est la présence du calme.
(...) Comme John Cage nous le rappelait, le silence n'existe pas littéralement. De plus, dans un monde devenant sourd à cause du bruit généré par l'homme, le silence perdure comme une métaphore profonde et sonore.
(...) J'aspire à une musique qui soit à la fois rigoureuse par la pensée et sensuelle par le son."
   Ces quelques extraits de propos du compositeur figurant sur le livret de In the white silence, paru en 2003 chez New World Records, sont une bonne entrée en matière à cette musique d'une grâce ineffable, lumineuse et transparente. Le disque est tout entier consacré à une longue pièce orchestrale pour cordes, harpe, célesta, vibraphones et cloches, subdivisée en courtes sections enchaînées de 3 à 5 minutes ayant pour titres"Beginning", puis des lettres de "B" à "S". Il préfigure For Lou Harrison par sa structure de concerto grosso fondée sur l'alternance entre sections orchestrales et solistes. Le blanc se retrouve dans les notes blanches, le rythme piano ou pianissimo reposant sur de courts motifs répétés, des lignes mélodiques longues et descendantes issues de différents points de l'espace, John Luther Adams étant très attentif à la disposition des musiciens. Cinq couches instrumentales distinctes convergent, se superposent pour créer un tapis sonore chatoyant, champ de neige sonore animé de frémissements, parcouru d'ondes cristallines. Musique merveilleuse, éblouissante, sereine, source fraîche et intarissable. Soixante-quinze minutes hors du temps mesuré des hommes, dans le Temps essentiel, à la fois presque statique et toujours différent...

Paru en 2003 chez New World Records / 19 plages / 73 minutes environ

red arc/blue veil, paru en novembre 2007 chez Cold Blue Music regroupe quatre pièces très différentes. Le disque s'ouvre sur "Dark waves" , morceau pour deux pianos interprété par Stephen Drury et Yukiko Takagi : assaut répété de vagues sombres, en effet, grondantes d'harmoniques graves, constellées cependant d'arpèges étincelants. C'est Sisyphe dédoublé, colère sourde et lumière emprisonnée, condamné à la résignation. Suit "Among Red Mountains", solo pour piano interprété par Stephen Drury. Notes plaquées, massives, rageuses, obstinées qui donnent à la pièce sa minéralité impressionnante. Quelque chose résiste, est cherché, le piano s'acharne, arrache des étincelles jusqu'au sur place final. "Qilyaun", le titre suivant pour deux percussions basses, déploie un véritable vent percussif à base de roulements qui traversent l'espace sonore en cercles rapides, puis ralentis, entrecoupés : travail rigoureux sur le rythme, d'abord presque fou, ensuite déconstruit et recomposé pour nous envelopper de battements d'ailes. Oui, les percussions s'envolent, libérées, tout l'espace devient rythme ! Ce disque étonnant se termine avec le titre éponyme, Stephen Drury au piano et Scott Deal, l'un des deux percussionnistes du morceau précédent (le second étant Stuart Gerber) aux crotales et au vibraphone. Morceau fusionnel, symbiotique, d'une beauté cristalline, agité de pulsations puissantes, de houles déferlantes de drones de piano.
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(Nouvelle mise en page + ajout d'illustrations visuelles et sonores le 13 décembre 2020)

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J'ai survécu ! Ils étaient en concert hier soir à La Cartonnerie de Reims, après Idem+Vunneny, et Oddatee, - très bien tous les trois, un peu court pour Idem, et pas moyen de s'endormir, je vous le garantis. Leur concert a été à l'image de leur dernier disque, "Gutter Tactics" : implacable, d'une rigueur formidable. Voici un trio, Dälek au micro, Oktopus aux machines et Still (?) sur une sorte de guitare préparée jouée à plat, qui s'engage totalement dans une musique d'une puissance sidérante. Le flux précipité des paroles se coule dans des nappes répétitives, industrielles, très noisy mais aussi atmosphériques. Le monde devient musique, coagulé par le flux hypnotique qui bat comme un cœur de foudre noire. Still, assis, gratte éperdument son manche sans lever les yeux vers le public, et Oktopus règne majestueux sur ses boucles, ses claviers qu'il déchaîne avec de larges gestes emphatiques, le visage baigné d'une grande sérénité. Tandis que la sueur dégouline sur le visage de Dälek qui empoigne, soulève son micro, tire convulsivement sur son pantalon flottant sur son corps trapu, les vagues lourdes, brûlantes, envahissent nos entrailles, massent notre cerveau soudain "débué" [je trouve ce mot, employé par Villon dans sa célèbre Ballade des Pendus, très beau, et je me permets de l'employer à peu près dans son sens originel que vous allez comprendre] de toute sa mauvaise eau des mornes jours. C'est le paradoxe de cette musique si sombre, dense, que de nous remplir d'une joie intense, d'une lumière fulgurante, sans doute en vertu de la loi des vases communicants : l'énergie concentrée des musiciens passe dans nos veines. Les échantillons se télescopent dans un climat d'apocalypse zébré de tournoiements de sirènes, de nuages de particules électrifiées. S'agit-il encore de révolte ? Les musiciens de Dälek sont des démiurges qui transforment le réel en lave. "Gutter Tactics" est une ode incandescente qui tente dans un geste superbe d'annuler la laideur du monde, et en fin de compte de la réenchanter en lui insufflant l'esprit de feu. C'est ma manière de gloser sur "A Collection of miserable thoughts Laced with wit", le sixième titre.
Dälek, au meilleur de sa forme, signe avec ce cinquième album l'un des plus forts de ce début d'année ! Le onzième titre lui conviendrait assez bien : "Atypical stereotype".

Paru en 2009 chez Ipecac Recordings / 11 plages / 50 minutes environ
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Spyweirdos, l'électronique onirique.

Autechre à ses débuts : "Incunabula" et "Amber"

Autechre : "Quaristice", le monde en morceaux.

John Luther Adams, le désert lumineux de la sensation pure.

Dälek, "Gutter Tactics", le rap haute-tension.