Musiques Singulières

Entre actualité et inactualité, prendre le temps des musiques différentes (plus ou moins selon l'humeur !). D'autres arts s'invitent régulièrement.
    L'index des musiciens présents dans ces colonnes est à votre disposition dans la catégorie du même nom.
Créé le 20 février 2007, ce blog prolonge une émission sur Radio Primitive, Reims, la plupart des lundis de 22 à 23 heures, avec rediffusion le dimanche dans l'après-midi .
  Vous pouvez me retrouver sur Facebook où je poste notamment des photographies personnelles, des trouvailles "empruntées" à mes amis, histoire de recomposer un univers ...
   À compter du 9 février 2013, le blog s'élargit avec les chroniques de Timewind, nouveau collaborateur passionné : pour vous proposer encore plus de Musiques singulières !

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24 octobre 2014 5 24 /10 /octobre /2014 10:40

   Après une éclipse de quelques années, le compositeur expérimental d'avant-garde, grand maître des échantillonneurs devant l'éternel, David Shea, réapparaît avec un album qui doit beaucoup à son nouveau pays. Installé en Australie où il s'est marié, l'américain, qui a gravité dans les sphères de John Zorn, publié quelques chefs d'œuvre sur les labels Sub Rosa et Tzadik, a glané des sons dans les forêts tropicales et un peu partout dans ce pays-continent qui l'inspire. Par ailleurs, il s'est plongé dans les musiques de Luc Ferrari et de Giacinto Scelsi et dans toutes les musiques rituelles liées à l'ancienne route de la soie. Rituals est au carrefour de ces trois voies, un disque exceptionnel qui transcende toutes les frontières, entre musiques traditionnelles ou contemporaines, acoustiques ou électroniques, orientales ou occidentales. David manie aussi bien échantillonneur, sons de terrain ou électroniques, chante, utilise bols chantants ou guimbarde. Il est rejoint sur certains titres par Lawrence English et Robin Rimbaud (alias Scanner) à l'électronique, Oren Ambarchi à la guitare, Joe Talia aux percussions et Girish Makwana aux tablas.

Pochette dépouillée, antichambre du vertige...

Pochette dépouillée, antichambre du vertige...

Le Sorcier de l'échantillonnage revient !

  Et il frappe où on ne l'attend pas forcément. Si le premier titre, "Ritual 32", commence avec un fond lourd de drones et de synthétiseurs, avec des voix échantillonnées et des cordes lointaines, l'ambiance nous plonge au cœur des musiques traditionnelles de méditation et de transe aussi bien que dans son univers dramatique et très coloré. Le piano numérique au son entre clavecin et dulcimer se taille la part belle. Voilà David parti dans une ballade contemplative : transparences étagées, mélodie dépouillée au lyrisme fragile. David n'avait-il pas signé le superbe Book of scenes pour piano en 2005 ? On dit qu'il prépare un autre disque de pièces pour piano... Une voix, la sienne, s'élève sur les notes éparses, les grappes étincelantes du piano. C'est la voix de gorge du chant laryngal, dit aussi harmonique ou diphonique, pratiqué dans la République de Touwa et repris parfois par Terry Riley, bien sûr par David Hykes qui s'en est fait une spécialité. Le morceau atteint sa véritable dimension avec l'entrée des bols chantants, piano percussif en fond, voix grave se résorbant dans les harmoniques. Moments magiques, extatiques, magnifiquement mis en espace par la prise de son et le matriçage de Lawrence English.

   "Emerald Garden" s'ouvre sur des frottements dans les hautes fréquences, rejoints par des ponctuations orchestrales, des stridulations d'insectes (véritables ?). L'atmosphère est celle des grandes fresques symphoniques contemporaines, saturée de mystère et d'enchantements multiples. On retrouve le grand coloriste, celui du premier Satyricon ou de Tryptich. L'orgue s'enfle au-dessus du chatoiement sonore, on croit entendre les fauves, les échos des grandes cérémonies cruelles. Ce jardin d'émeraude est un jardin saturé de sortilèges où se côtoient une faune invisible et l'électronique la plus intrigante. Une splendeur au casque (sans aussi, je vous rassure) !

   Le titre suivant, "Wandering in the Dandenongs", nous invite à une errance dans ce district australien proche de Melbourne, à la population très mélangée. Je suppose que c'est près des marais de la zone que David a enregistré bien des sons d'oiseaux, d'insectes, servant de fond sonore à cette pièce au départ tranquille. D'autres sons de rue tapissent le parcours, ponctué de sons de cloches. Un coup frappé sur un bol chantant, après deux minutes de promenade, marque le début d'un nouveau rituel fondé sur l'entrelacement des cris fous ou étranges des oiseaux et des harmoniques longues des bols, puis sur la pulsation puissante, orientale,  des flûtes, des vents et de percussions profondes comme des gongs. Après un retour au calme relatif des cris d'oiseaux et des seuls bols chantants, c'est le temps champêtre et cérémoniel des carillonnements des cloches, clochettes, dont les tintements croisent les résonances des bols. Klaxons, halètement d'une locomotive (?) confirment l'intrication du rural et de l'urbain. La frénésie éclate alors, menée par la guimbarde, rejointe par la ritournenelle pulsatoire antérieure. Nous ne savons plus où nous sommes, embarqués dans cette jubilation qui se résorbe dans le surgissement progressif de graves telluriques illuminés de multiples éclats aigus.

   "Fragments of Hafiz" fait entendre des fragments du grand poète persan, accompagnés d'une mise en scène sonore qui n'est pas sans évoquer les grandes cérémonies soufies, avec la flûte et les tambours. Une voix déformée reprend quelques fragments au cœur même de la pâte sonore, de plus en plus étrange, en allée vers des lointains saturés de lumières diffractées et de frôlements, soupirs électroniques. C'est le plus beau moment du morceau, avant le retour de la récitation grave et solennelle ainsi baignée d'une aura d'absolu en adéquation avec le message d'Hafiz (ou Hafez). Il est logique de poursuivre avec une "Meditation", électronique avec Lawrence English et Robin Rimbaud, mais parsemée de paillettes acoustiques. Le talent de David éclate dans cette sculpture sonore d'une extraordinaire finesse, dans laquelle il enchâsse des échantillons de voix sans doute liés à une cérémonie bouddhiste, un petit dialogue animé par des vagues mystérieuses de voix, des ponctuations infimes, des tourbillons lumineux. Quelque chose se passe, la musique est effort pour saisir le mystère.

   Entrez dans l'auberge du dragon vert ("Green Dragon Inn"). La vînâ et le piano, l'orient et l'occident, vous y convient. Ici tombent toutes les dualités, fondent les vieilles carapaces. Vous êtes dans l'antre du tonnerre, l'atelier de Vulcain, au centre du grand lotus. Les cordes frémissent, les tablas piaffent. La pièce est de plus en plus dense, saturée de souvenirs musicaux. Elle décolle avec l'orgue et l'envolée irrésistible des tablas, hantée de cris de possession, mêlant religions et rituels grâce à un liant électronique puissant et à la guitare électrique déchaînée d'Oren Ambarchi. Le volcan explose dans un jaillissement d'échantillons magistralement agencés. Rituel total, absolu qui signe le retour éblouissant de David Shea.

   Un disque formidable, foisonnant de beauté, rayonnant. MAGISTRAL !!!

Paru en 2014 chez Room40 / 6 titres / 74 minutes environ

Pour aller plus loin

- la page de Room40 consacrée à l'album.

- "Green Dragon Inn" en écoute :

- une page très intéressante sur le chant de gorge

- une vidéo à partir de "Meditation" :

Programme de l'émission du lundi 20 octobre 2014

Jull : Les Ruines

2.13 PM + Motherfucking + La 6eme faute : Sahasrara

Zéro degré : La Nuit

Post CoÏtum : Rorshach   (Pistes 1 - 4 - 5 - 7, 17'30), extraits de Quadrilab V01

Anne-James CHATON & Andy Moor : Dernière minute / Princess in a Mercedes class S2805 / Princess in a Rover P6 35005V8 / Une histoire de l'aviation (p. 1 - 3 - 4 - 5, 17'30), extraits de Transfer (Unsounds, 2013)

Glenn Kotche : The Haunted for two pianos vs percussion, mouvements 1 à 4 (p. 7 - 11 - 10 - 5, 18'), extraits de Adventureland (Cantaloupe Music, 2014)

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20 octobre 2014 1 20 /10 /octobre /2014 17:15

   Une sélection un peu plus fournie, dans les bacs de Radio Primitive. Côté rock, on aime l'ambiance moite des films noirs. Côté presque rap, on est vengeur, et j'applaudis à la pochette de Mascarade. Le rockeur Jack White se voit en bleu parmi les anges d'un cimetière. Il est pensif. Ferait-il tourner les tables ? Sa dulcinée lui manquerait-elle ? Je crois l'avoir retrouvée sur les glaces de la Moskova, sur le point de chanter "L'Internationale" avec Soviet Suprem.

   Puis j'ai été ému par Émilie Simon, presque "Mue": belle pochette et livret soigné, délicat et raffiné, à l'excès ? Faites bien défiler cette section...

Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)
Du côté des pochettes (4)Du côté des pochettes (4)Du côté des pochettes (4)Du côté des pochettes (4)Du côté des pochettes (4)
En grand format, pour l'émotion...cliquez !!

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14 octobre 2014 2 14 /10 /octobre /2014 14:00

   « Nous traquons l'élégance et la qualité »

   C'est un mystère, une énigme, autour d'un document retrouvé. Le texte est dit par plusieurs voix, accompagné d'une musique énigmatique plongeant l'auditeur dans une zone intermédiaire, entre rêve et réalité. Quelque part entre slam, chanson et musique d'ambiance, gentillement expérimentale. L'auteur du texte, Thomas Malésieux, est bibliothécaire à Montbéliard. Il dit avoir puisé dans les films d'Antonioni une source d'inspiration, mais cette piste n'est pas limitative pour ce cinéphile passionné. La musique, signée David Lavaysse, prend son temps, ciselée avec précaution pour envelopper le scénario dans un ailleurs indéfini. Cet album est hors du temps, produit artisanal d'une longue passion. Car il a fallu quatorze ans pour que le projet aboutisse ! Quatorze ans après la rencontre de Thomas et de David dans une file d'attente de Londres. « Transformer l'à-peu-près d'une soirée en veillée très prisée » donne le la de ce projet atypique et charmant. Loin des logiciels et des technologies ébouriffantes, voilà une équipe qui raconte et joue une histoire, avec des timbres de voix, des timbres d'instruments, en toute simplicité, comme on conte des contes à la veillée, justement. On est "en bonne compagnie", « dans la cour d'une demeure du siècle dernier / incognito et anonymes, en petit comité ». L'auditeur sera-t-il, lui ausssi, « tel l'explorateur en quête de l'unique orchidée » ? En y repensant, j'associerai volontiers cette expérience à celle que tentais ( et tente encore peut-être, mais je ne les suis plus) L'Ensemble rayé. Comme eux, ils n'ont pas la grosse tête, n'abandonnent pas notre langue pour soi-disant parler à tous (quelle bêtise !). L'album joue « cartes sur table » ses voix posées, sa guitare, sa batterie, ses claviers, ses petits bruitages, pour une bande son au « final énigmatique », proposant « Un carnet de souvenirs personnels. / Toute une mémoire de noms, de titres essentiels. ».

   C'est le deuxième album du label Quadrilab, basé à Montréal et à Marseille. Le premier rassemblait une série de titres de musiciens gravitant autour de Quadrivium radio, une radio originale qui diffusait à la fois de la musique expérimentale et des contenus scientifiques, qui n'émet plus, mais dont vous pouvez retrouver une sélection d'enregistrements sur son site. Sur ce premier disque, on retrouve une composition de Guillaume Gargaud, une atmosphère plutôt sombre, avec aussi le beau titre de Jull, "Les Ruines". Si vous êtes intéressé, il vous sera offert moyennant une participation aux frais de port au départ de Montréal (offre en bas de la page Quadrivium).

Paru en mai 2014 chez Quadrilab / 11 titres / 26 minutes environ

Pour aller plus loin

- la page que lui consacre la maison de production sonore 1fusé . L'édition du disque est due à l'excellent label indépendant Ici d'ailleurs, page en français, comme pour tout ce qui est ici, d'ailleurs, ce dont je me réjouis sans modération, na !!

- le site Bandcamp de Quadrilab, avec le disque en écoute et à acheter (Cd ou en téléchargement) : (Ci-dessous, commencez au début, il a tendance à afficher le titre 6...)

Programme de l'émission du lundi 6 octobre 2014

En Chanson :

* Salomé Leclerc : Un bout de fil / Les Chemins de l'ombre / Attendre la fin (Pistes 4 - 7 & 8, 10'40), extraits de 27 fois l'aurore (Tôt ou Tard, 2014)

Grandes formes / Rivages électroniques :

* Michel Banabila & Oene Van Geel : Sinus en Snaar / Echoes from Hadhramaut (p. 1 - 3, 23'10), extraits de Music for viola and electronics (Tapu Records, 2014)

* David Shea : Wandering in the Dandenongs (p.3, 17'44), extrait de Rituals (Room40, 2014)

Programme de l'émission du lundi 13 octobre 2014

Hommage au label Room40 :

* David Shea : Green Drgon Inn (p.6, 14'47), extrait de Rituals (Room40, 2014)

* Spyweirdos (avec Antonis Anissegos) : Second Act (p.2, 14'38), extrait de Piano Acts (Room40, 2014)

Greg Haines : Wake Mania Without End II / Habenero (p. 6 - 7, 12'), extraits de Where we were (Denovali Records, 2013)

Michel Banabila & Oene Van Geel : Kingdomof Earth (p. 5, 9'23), extraitsde Music for viola and electronics (Tapu Records, 2014)

 
 

 

 

 

Cliquez pour agrandir !

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9 octobre 2014 4 09 /10 /octobre /2014 20:00

   À chaque fois que je fouine dans les bacs des disques arrivés à la Radio Primitive, je me dis qu'il y aurait là matière à une thèse sur l'art des pochettes, même si celles des cds sont moins grandes que celle des vinyls. Rassurez-vous, je ne vais pas me lancer dans une telle étude, mais réactiver la catégorie "Du côté des pochettes". Du contenu musical, c'est entendu, je ne dirai rien, ou alors ce serait un article dans une des autres catégories. Je proposerai une sélection de pochettes : belles, inventives, drôles, kitsch, improbables, folles, étranges, selon l'humeur. L'inventaire émerveillé et malicieux d'un monde assez méconnu. Pour ce soir, en voici deux. J'ai tout de suite aimé le nom du groupe Les Ramoneurs de Menhirs : une façon drôle de dire qu'il s'agit de bousculer la tradition, d'où la juxtaposition de clichés bretons ( le champ de menhirs en arrière-plan, la bretonne avec sa coiffe au premier plan à gauche) et le profil d'une berbère, de quoi faire bondir les traditionnalistes, outrés de voir la bretonne affublée d'un tapis berbère en guise de vêtement. Quant à Rodrigue, voici un sacré zèbre !

   Réjouissons-nous !

Du côté des pochettes (3)
Du côté des pochettes (3)

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3 octobre 2014 5 03 /10 /octobre /2014 17:00

   C'est une rencontre. Entre Michel Banabila, compositeur de la scène électronique expérimentale néerlandaise, et Oene Van Geel, altiste et compositeur improvisateur qui passe allègrement du jazz à la musique indienne, participe à de multiples formations. Ils se sont rencontrés pour le Cloud Ensemble, ont décidé d'aller plus loin, d'où ce disque. Absolument magnifique, envoûtant.

   Le premier titre, "Sinus en Snaar", commence par ce qui ressemble à des sirènes, mais des sirènes suaves - comment ne pas penser encore une fois à cet album extraordinaire qu'est Weather  de Michael Gordon ? -, l'alto fondu dans les sons électroniques. Notes tenues, longs glissandos, de discrètes percussions sur un fond de drones. Le temps s'étire. Tout flotte dans une indistinction sensuelle où l'on entend parfois comme une voix subliminale murmurer très vite une syllabe. Le temps s'enroule autour des claviers, des bruits ponctuent  cet étirement, puis tout s'enfle, l'alto se dégage, trace des lignes légères, l'effet de sirène recommence, l'espace sonore s'approfondit, se strie de strates superposées. Vers la fin de la pièce, les bruits se déchaînent mœlleusement avant le silence.

   "Dondergond" joue de la rupture, plus dissonant, percussif, grondant sur une base de boucles bourgeonnantes. L'alto virevolte, tout se détraque sans que le fil harmonique se perde, entre jazz et musique industrielle. L'archet frotte, grince, une batterie (synthétique) s'énerve : stratégie du chaos (titre évitable selon moi, trop long pour son contenu) qui permet de mieux apprécier la troisième composition, "Echoes from Hadhramaut". Nous serions donc à l'est du Yemen, sur le golfe d'Aden. L'Orient, le rêve : claviers brumeux, nappes lointaines, l'alto qui se contorsionne comme un serpent, lève la tête et considère avec dédain les environs. Le sable, partout le sable : nuages de particules fines, mirages, échos démultipliés. Graves fracturés au premier plan, aigus zigzaguant à l'arrière, tourbillons, le vent, puis la retombée dans la lenteur majestueuse, l'envolée des djinns, peut-être emploi de ce fameux violon Stroh, à pavillon, amplifié (qui serait originaire de Birmanie). On est en pleine cérémonie magique, chamanique, une basse rentre en transe pour finir.

   Que reste-t-il ? Rien sinon le ciel bleu, traduction du quatrième titre, "Nothing but Blue Sky", très ambiant et mélodieux : sculpture sonore délicate, raffinée, volutes et torsades en apesanteur qui s'éloignent ensuite dans des battements d'ailes aigus, d'aériennes nappes d'orgue. Au bout, c'est le Royaume de la Terre, "Kingdom of Earth" mystérieux, dépouillé, poignant. Terre des surgissements somptueux, irréels. L'alto déroule une mélopée très lente devant un paysage sonore mouvant qui s'anime peu à peu. Le système Doepfer A-100 modulaire de Michel Banabila fait merveille : textures miroitantes, on ne sait plus très bien ce qu'on entend, tout peut advenir dans ces changements à vue, ces virées diaphanes, ces timbres évanescents qui se résorbent dans un souffle.

   Un superbe mariage électro-acoustique !!

Paru en 2014 chez Tapu Records / 5 titres / 46 minutes

Pour aller plus loin

- Michel Banabila sur Bandcamp avec l'album en écoute et à acheter (cd ou en téléchargement)

Alto, Doepfer A-100 modulaire...et violon Stroh.

Alto, Doepfer A-100 modulaire...et violon Stroh.

Programme de l'émission du lundi 29 septembre 2014

Fink : Green and the blue / White flag (Pistes 2 & 3, 11'10), extraits de Hard Believer (Ninjatune, 2014)

Grande forme :

* David Shea : Ritual 32 (p.1, 18'39), extrait de Rituals (Room40, 2014)

Rivages électroniques :

* Oneohtrix Point Never : He She / inside World / Zebra (p.3 à 5, 12'), extraits de R Plus Seven (Warp records, 2013)

Spyweirdos (with Antonis Anissegos) : First Act (p.1, 9'27), extrait de Piano Acts (Room40, 2014)

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24 septembre 2014 3 24 /09 /septembre /2014 16:12

   Quel plaisir de retrouver Spyros Polychronopoulos, alias Spyweirdos, alchimiste des musiques électroniques, ici en compagnie, sur deux titres, du pianiste et compositeur Antonis Anissegos !

   Quatre actes pour près de cinquante minutes d'étrange beauté. Dans l'acte I, le piano est méditatif, confronté à un jeu d'ombre et de lumière, comme s'il rencontrait un double plus dans les aigus, avec des sons de clavecin, des sons préparés, à l'intérieur de l'instrument aussi. Beaucoup de notes résonnent longuement, dérapent sur le silence. À quelle cérémonie secrète sommes-nous conviés ? Nous tendons l'oreille, émerveillés par la délicatesse de la procession des notes, le lent déploiement des strates harmoniques qui ondulent.

   L'acte II se présente comme une reprise ad libitum de boucles lancinantes, dans lesquelles le piano est comme enserré dans un filet chatoyant de sons électroniques. Pièce très minimaliste, savamment émaillée de variations qui brouillent la donne jusqu'au vertige, elle multiplie décalages, changements rythmiques, glissandos, perturbations bruitistes, surgissement de sons parasites, sans que la phrase initiale disparaisse totalement si ce n'est dans les deux dernières minutes où elle subit une anamorphose monstrueuse avec disparition du piano et un long drone noir.

   Deux pianos semblent se répondre de part et d'autre d'un miroir dans l'acte III. La pièce est hiératique, hypnotique, comme en lévitation. L'un des pianos s'efface parfois dans un brouillard harmonique avant de reparaître et de se tenir à nouveau face à l'autre piano imperturbable. Des bruits divers s'invitent, parasitant les interstices : quelque chose se défait tandis que le piano répète ses quelques notes de manière de plus en plus carillonnante. Une dialectique de l'ordre et du chaos est à l'œuvre. Le rythme s'accélère insidieusement, dirait-on, mais le piano impassible, implacable, continue d'abattre ses marteaux ; le deuxième piano devient plus libre, joue ailleurs, avec l'orchestre surgissant par brusques mouvements comme un magma.

   Le dernier acte propose un phrasé plus jazzy, traité avec un minimalisme radical : une série de boucles de plus en plus serrées, qui semblent se mordre la queue, si bien que la ligne mélodique paraît comme une suite de boursouflures précipitées, effet de la rémanence des notes se bousculant. D'imprévus ralentis ou suspensions aèrent le cours tumultueux de la pièce, libérant de brèves bouffées lyriques. S'agit-il encore de deux pianos, d'un monstre à deux dos, ou bien d'un piano mécanique endiablé ? Car on pense parfois à Conlon Nancarrow avec cette composition virtuose, étincelante. La fin élégiaque, totalement imprévue, est magnifique, éblouissante d'être porteuse de fractures sèches, elles aussi d'une liberté belle.

   Un disque qui confirme l'importance de Spyros Polychronopoulos, aussi à l'aise dans l'électronique que dans l'acoustique. Splendide, jubilatoire, étrange : c'est Spyweirdos en majesté ! 

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Paru en 2014 chez Room40 / 4 titres / 48 minutes

Le disque n'existe pas sous forme physique : il est en téléchargement libre.

Pour aller plus loin

- le site personnel du compositeur (qui permet de télécharger librement les quatre actes en renvoyant au site du label australien Room40 (label de Lawrence English).

- l'acte I en écoute :

Programme de l'émission du lundi 22 septembre 2014

Rivages électroniques :

* Lawrence English : The liquid Casket / Wilderness of Mirrors / Guillotines and Kingmakers / Another body (p.1 à 4, 17'), extraits de Wilderness of Mirrors (Room40, 2014)

Grandes formes :

* Bryce Dessner : Raphael (p.3, 17'10), extrait de Bryce Dessner / Jonny Greenwood... (Deutsche Grammophon, 2014)

* Michael Gordon : Rushes (début : environ 18'), extrait de Rushes (Cantaloupe Music, 2014)

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16 septembre 2014 2 16 /09 /septembre /2014 15:50

   Voici peu, je chroniquais du même Bryce Dessner Aheym interprété par le Kronos Quartet. Signe des temps, le prestigieux label Deutsche Grammophon, référence des amoureux de la musique classique, vient de publier des compositions pour orchestre de deux musiciens de la scène pop rock, Bryce, guitariste de The National, et Jonny Greenwood, guitariste de Radiohead. Si le dernier a déjà une reconnaissance internationale dans le domaine symphonique depuis sa création de la suite pour le film There will be blood en 2007, Bryce Dessner le rejoint, confirmant la fin d'une époque où scène rock et classique, pour aller vite, se tournaient le dos. Les efforts de Bang On A Can et de ses fondateurs David Lang, Michael Gordon et Julia Wolfe n'y sont sans doute pas étrangers. On pourrait certes remonter aux années soixante-dix et aux nombreuses tentatives de rapprochement opérées par bien des musiciens ou groupes, qu'on songe à The Who, Neil Young pour en citer deux très connues. Mais le monde classique regardait ces efforts avec une certaine condescendance, persuadé de sa supériorité. Les temps ont changé. De nombreux pianistes classiques revendiquent leur éclectisme, cherchent la performance comme les rockeurs. Le Kronos Quartet est passé par là, qui a fait taire les sceptiques. Les frontières ont peu à peu volé en éclat. Et la Deutsche Grammophon, encore elle, consacre une collection aux "Recomposed by...", magnifique collection où l'on trouve Max Richter et sa recomposition de Vivaldi, Karl Craig et Moritz Von Oswald s'attaquant à la Symphonie espagnole de Maurice Ravel et aux Tableaux d'une exposition de Modeste Moussorgski.

   Je laisse de côté la suite de Jonny Greenwood pour le film de Paul Thomas Anderson, très belle musique de film, dramatique à souhait, mais à mon sens assez convenue, pour m'intéresser aux trois pièces de Bryce Dessner.

   La première, "St Carolyn by the Sea", est inspirée par un épisode de Big Sur de Jack Kerouac. Le début est très doux, mystérieux, ouaté, la guitare de Bryce fondue dans le tissu orchestral, puis se détachant cristalline, interrogative, doublée par celle de son  jumeau Aaron (les frères Dessner sont quatre dans The National). Le son monte, l'orchestre donne de la voix, frémit. On entre dans la tourmente, majestueuse, ample, les violons déchirant l'espace de grandes courbures. Les percussions se déchaînent. La vision hallucinée de Kerouac se déploie dans des fulgurances lumineuses. Tout l'espace est occupé par l'orchestre survolté. C'est absolument superbe, avec des couleurs orchestrales variées. L'écriture est rigoureuse, claire, au service d'un dynamisme rayonnant. Par moment, des passages rêveurs aèrent cette composition puissante, notamment dans les dernières minutes, où les guitares sont justes secondées par quelques instruments de l'orchestre. Un bref crescendo final ponctue cette première pièce admirable.

   Le "Lachrimae" qui suit, inspiré de John Dowland, mais aussi de Benjamin Britten qui écrivit à partir de Dowland, du "Divertimento" de Bela Bartok pour l'écriture des cordes, est tout aussi convaincant, personnel. Après quatre minutes de discrets glissandi de cordes, de réveil orchestral pourrait-on dire, quelque chose comme une aube fragile, tâtonnante, on assiste à des surgissements aigus, acérés et brillants, avec en contrepoint un violoncelle grave. Une cadence saisit l'ensemble, le vent se lève, un violon chante, tout est suspendu dans le miracle de l'avènement qu'on sent venir. Les cordes s'agitent en tremolos répétés, guettent le mystère avec inquiétude. La lumière souffle, les cordes étincellent, je songe à certains magnifiques passages de "Weather" de Michael Gordon. C'est un orage sans tonnerre, une suite d'éclairs vibrants. Une coda fastueuse et caressante referme la composition.

" Raphael", la plus longue des trois compositions de Bryce Dessner, plus de dix-sept minutes contre un peu plus de treize pour les deux premières, parachève cet itinéraire passionnant. Mystère des appels des graves, interstices de lumière créent une atmosphère extatique ponctuée par la guitare retenue, profonde. La musique de Bryce Dessner est d'un romantisme sans mièvrerie, celui des origines, qui aspire à l'Infini, à la Beauté. L'orchestre est diapré, produit des drones ensorceleurs. La guitare resurgit de ce magma merveilleux, étincelante, pour conduire la suite du voyage de l'archange. Boucles enivrantes, pulsation puissante : joie écrasante, avant la retombée, l'harmonium élégiaque, un cor au loin, des cordes qui virent doucement, un violoncelle à la limite de l'audible, un unisson à la Arvo Pärt, une nostalgie chavirante.

   Un album vraiment superbe, qui ouvre de beaux jours aux orchestres symphoniques à l'écoute des compositeurs d'aujourd'hui. Remercions le chef du Copenhagen Phil, André de Ridder, actuel essentiel de ce renouveau. Encore un disque qui prouve la vitalité de la scène musicale néerlandaise !

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Paru en 2014 chez Deutsche Grammophon / 19 titres / 66 minutes

Pour aller plus loin

- le site de Bryce Dessner, très beau !!

- "St Carolyn by the Sea" en écoute :

Programme de l'émission du lundi 8 septembre 2014 : la reprise !!

Peter Broderick : A Snowflake / / Floating / Sinking // Another glacier // Broken patterns (Pistes 1-2-6-8, 19'), extraits de Float 2013 (Erased Tapes, 2013)

Bryce Dessner : Aheym / Little Blue something (p.1-2, 18'), extraits de Aheym (Anti Records, 2013)

Timber Timbre : Beat the drum slowly (p.1, 5'29), extrait de Hot Dreams (Arts & Crafts, 2014)

Lawrence English : Jansia borneensis / Hygrophorus Russula (p.1-3, 10'44), extraits de For / Not for John Cage (Line, 2012)

Programme de l'émission du lundi 15 septembre 2014

Timber Timbre : Curtains / The Low Commotion (p.3-7, 8'40), extraits de Hot Dreams (Arts & Crafts, 2014)

Bryce Dessner : Tenebre(p.3, 15'11), extrait de Aheym (Anti Records, 2013)

                              St Carolyn by the Sea (p.1, 13'06), extrait de Bryce Dessner / Jonny Greenwood / Copenhaguen Phil / André de Ridder (Deutsche Grammophon, 2014)

Oneohtrix Point Never : Andro / Power of Persuasion / Sleep dealer (p. 1 à 3, 10'30), extraits de Replica (Warp Records, 2011)

                                                           Americans (p. 2, 5'18), extrait de R Plus Seven (Warp Records, 2013)

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6 septembre 2014 6 06 /09 /septembre /2014 18:02

   Mellotron, Novachord, Farfisa...et les autres !

   Formé en 2005, Timber Timbre, d'abord trio autour de la voix de Taylor Kirk, avec Mika Posen aux cordes et Simon Trottier aux guitares, s'est étoffé au fil des ans et des disques. Pour son cinquième disque,  Hot Dreams, le groupe canadien, toujours quelque part entre chanson à texte et pop-rock, mobilise entre trois et sept musiciens selon les titres. Bien sûr, ce qui frappe d'emblée, c'est la voix grave, un brin nonchalante, de Taylor Kirk, qui évoque celle d'un autre canadien, Léonard Cohen. Le rapprochement s'impose d'autant plus que le premier titre, "Beat the Drum slowly", mentionne à plusieurs reprises une avalanche, et comment ne pas penser au célèbre titre du troisième album "Songs of Love and Hate" sorti en 1971 ? Si l'on veut mieux cerner cette voix, je propose une autre piste, celle de Tindersticks. Croisez les deux, et vous approchez de Taylor Kirk, sans y être toutefois. 

   Maintenant, si l'on veut cerner le charme de cet album, il faut parler des timbres et des couleurs. Le nom du groupe y invite, qui joue du bilinguisme pour rapprocher le bois ou le timbre, deux sens du mot anglais "timber", du timbre français. On y gratte la guitare, on la frotte avec un archet, les cordes sont là, les percussions aussi...et les claviers prolifèrent, nous projetant dans un monde intemporel. Taylor joue du Novachord, du Farfisa, Matthieu Charbonneau du mellotron, du clavecin ou du Chamberlin M1, Olivier Fairfield du Fender Rhodes. D'où des atmosphères parfois à la King Krimson, notamment dans le magnifique, halluciné "Beat the drum slowly", pourtant commencé, en effet, doucement. Charme des synthétiseurs désuets, plongée dans l'étrange. Çà et là le ou les saxophones de Colin Stetson apporte(nt) leurs notes cuivrées. De la chanson, oui, pourtant, mais avec des échappées instrumentales superbes qui les aèrent. Comme dans le titre éponyme, presque vaporeux, sirupeux, on reste suspendu à la voix sensuelle, souple, c'est un slow langoureux, et je ne me sauve pas au galop !! Le miracle du disque, c'est l'alliance entre la voix et la variété des arrangements. Le plaisir d'un album à goûter, déguster, riche en surprise, comme l'étonnante coda du troisième titre, "Curtains?!", quasi floydienne un moment ! "Bring me simple men" serait une chanson banale si l'accompagnement n'était pas si dépaysant : le temps d'une guitare qui dérape, de cloches et d'une alliance de cordes et de marxophone (cet instrument existe bien !!), on est ailleurs. Tout est à l'avenant. L'instrumental "Resurrection Drive Pt II" donne l'impression que tous les instruments se désaccordent insidieusement, chaque note se tordant. "Grand canyon" commence comme une ballade folk, puis intervient le thérémine (j'allais l'oublier, celui-là !) pour un dernier tiers orchestral. "This low Commotion" est un blues chaloupé enveloppé notamment de mellotron, farfisa et guitare hawaïenne. "The new Tomorrow" est sans doute le titre qui fait le plus penser au chanteur de Tindersticks et à la musique de ce groupe, avec l'étonnant mélange de courtes griffures électriques et de moments nonchalants où les paroles semblent à la limite de l'inconsistance, lâchées du fond d'un suprême détachement. Le morceau bascule dans sa deuxième moitié dans des paroxysmes nerveux qui contrastent avec le mielleux du wurlitzer. Taylor Kirk joue du crooner dans "Run from me", sucrerie ponctuée par le piano grave sur un tapis discret de cordes, puis la voix se fait plus âpre, insistante, tandis que des voix féminines s'élèvent, mais au lieu de sombrer dans la mièvrerie, l'orgue Hammond, les guitares électriques, enflamment la fin. L'album se termine avec le lyrisme mélancolique et puissamment dramatique de l'instrumental "The Three Sisters", le pendant du premier titre, complètement inattendu dans un disque de chansons : écriture magnifique, chaleureuse, qui rapproche saxophone, cordes, synthétiseurs, piano et percussions.

   Un sacré beau disque !

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Paru en 2014 chez Arts & Crafts Productions / 10 titres / 43 minutes

Pour aller plus loin

- deux titres, "Beat the drum slowly" (dont il manque la très belle fin) et "Curtains?!", bien servis par des vidéos qui soulignent les affinités de cette musique avec les dérives urbaines oniriques, le film noir...   

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27 août 2014 3 27 /08 /août /2014 10:04

   Guitariste, membre de The National, un groupe pop-rock que je ne déteste pas (contrairement à Carl Wilson ! - Même si je partage certaines réticences et critique leur nonchalance qui confine trop souvent à une mollesse agaçante, comme chez Tindersticks dont j'avais adoré les deux premiers albums, bien plus nerveux.), Bryce Dessner est aussi un compositeur à découvrir. Disons-le d'emblée : c'est là qu'il est le meilleur, qu'il a le plus d'idées ; il connaît son métier (il est diplomé de Yale), et peu m'importe qu'il soit un intellectuel - je n'en suis pas encore à la détestation très tendance des "intellos" dans ce monde où penser devient une tare honteuse. Comme tous les musiciens américains, il a écouté Philip Glass, Steve Reich. David Lang a fait appel à lui en tant que guitariste pour son disque Death speaks. Aussi n'est-il pas étonnant qu'il ait croisé l'infatigable Kronos Quartet de David Harrington, toujours à l'affût. Le Kronos lui a commandé trois des pièces de l'album, "Aheym", "Little Blue something" et "Tenebre", la quatrième,  "Tour Eiffel", lui a été suggérée...par son ami Nico Muhly ! Je suis sûr que Carl Wilson doit détester le fait que tous ces gens se connaissent, s'écoutent, collaborent à des projets communs. Moi, cela me paraît simplement le signe de la vitalité d'un milieu qui tente de vivre dans un monde souvent assez sourd à leurs musiques  Pour ne rien arranger, la musique de Bryce Dessner s'inscrit parfaitement dans le sillage des productions de Bang On A Can !

   Le Kronos seul interprète le titre yiddish éponyme, qui signifie "de retour", écrit en hommage à la famille juive de Bryce, venue de Pologne et de Russie. Ça commence par un vigoureux pulse à l'unisson assez reichien aux accents bruts, suivi par un passage élégiaque au violoncelle renforcé par un pizzicato au violon puis les deux autres instruments  qui viennent chanter autour. La pièce prend l'allure d'une sarabande, d'une danse joyeuse et débridée, striée de cassures sèches. On est aux antipodes de la mollesse ! C'est nerveux, soudain d'une incroyable douceur. L'auditeur est emporté dans le courant énergique de boucles bondissantes. Un magnifique début, le Kronos en pleine forme.

   "Little Blue someting", toujours par le Kronos Quartet seul, est un hommage à deux musiciens tchèques, Irena et Vojtech Havel, que sa sœur Jessica avait entendu jouer dans les rues de Copenhague et auxquels elle avait acheté leur dernier vinyle pour le ramener à la maison familiale. Leur musique, alliant sources populaires et motifs quasiment minimalistes, a hanté Bryce pendant des années, au point qu'il a retrouvé leur piste et les a invités à venir jouer aux États-Unis. Le violoncelle y a la part belle, écho de la viole de gambe des Havel. Musique élégiaque, qui se développe en canons contratés, puissants ou doux, avec un raffinement baroque des sonorités. Un joyau qui termine sur un crescendo, suivi d'une courte reprise incantatoire...et deux unissons très "fin de morceau", c'est la seule faiblesse. Coupez à 7 minutes 42, ce sera parfait !!

   "Tenebre" célèbre à la fois deux anniversaires, celui d'un collaborateur du quatuor et les 75 ans de Steve Reich fêtés au Barbican à Londres. L'œuvre réfère bien sûr aux offices des Ténèbres les trois derniers jours de la semaine sainte, offices qui ont inspiré Palestrina, Couperin et tant d'autres. Selon Bryce, sa composition inverse les choses : au lieu d'aller de la lumière vers les ténèbres, elle partirait de ces dernières pour aboutir à l'illumination de la musique du Kronos à laquelle contribue leur responsable des lumières Laurence Neff. Comme le service des Ténèbres est normalement chanté, il a ajouté une partie vocale à la fin, lorsque la pièce s'élargit jusqu'à trois quatuors (tous enregistrés par le Kronos) : une psalmodie à huit voix de lettres hébreues par son ami Sufjan Stevens, suivies par la lecture de la première ligne du texte de l'office : « Ici commence la lamentation du prophète Jérémie. » Cette longue pièce de plus de quinze minutes s'ouvre sur un vibrato brumeux, frémissant, comme si le chaos se craquelait pour laisser surgir les plaintes du violoncelle langoureux. De brusques décrochements l'animent d'une ardeur puissante. Sur le fond sourd, les cordes grincent, râclent, des fleurs mélodiques s'ouvrent et tournoient, se referment en ronchonnant avant une nouvelle poussée vers la lumière, comme celle de 7 minutes 28, tout en aigus primesautiers, approfondie par les graves de l'alto et du violoncelle. L'aspect reichien du développement est évident, avec cependant des couleurs plus contrastées et des échappées sublimes à la Arvo Pärt, je pense aux glissendis fragiles, transparents, vers la onzième minute. Toute la fin est admirable. Le surgissement des voix de Sufjan Stevens est sidérant, tandis que les cordes ronflent, enveloppent de leurs spirales ce bouquet vocal tournoyant qui s'envole vers le ciel. 

   Je ne vous cacherai pas que le dernier titre, "Tour Eiffel" (Pauvres de nous, Français...), pourtant suggéré par Nico Muhly, dont j'admire tant l'œuvre, me laisse de marbre, déjà dans la partie vocale assurée par le "Brooklyn Young Chorus" au début (deux minutes environ) et à chaque fois qu'il se manifeste ; ça se gâte en dépit de la guitare de Bryce, du piano de Lisa Kaplan, de la percussion et du trombone. Le texte, certes, est du poète chilien Vicente Huidobro (1893 - 1948), qui fut l'ami d'Apollinaire. Pour le dire franchement, il aurait fallu...supprimer le chœur, laisser le petit quatuor nous conduire jusqu'à l'éventuel point culminant visé par le compositeur. C'est très difficile d'écrire de la musique vocale, je ne lui en veux pas. David Lang lui-même ne m'a pas convaincu dans son dernier disque...que je n'ai même pas acheté après l'écoute fragmentaire d'un titre (je ne suis pas le seul dans ce cas !).

   Si l'on excepte ce quatrième titre, une belle réussite, un régal pour les amateurs du Kronos Quartet (absent du dernier titre...).

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Paru en 2013 chez Anti - Records / 4 titres / 45 minutes

Pour aller plus loin

- le site de Bryce Dessner, vraiment superbe, avec un large choix à écouter...

- "Aheym" avec une étonnante vidéo posté par le label (d'Amsterdam) :

 

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14 août 2014 4 14 /08 /août /2014 17:00

   En 2011, un an avant la commémoration du centenaire de la naissance de John Cage, le compositeur australien Lawrence English songeait déjà à rendre hommage à son homologue américain mort en 1992, auquel tant de musiciens d'aujourd'hui se réfèrent et qui l'a inspiré depuis une vingtaine d'années. Son attention a été attirée par une œuvre peu connue du maître, One 11, film pour lumière seule, accompagné de 103 pour orchestre. Cage les présente ainsi :

   « L' œuvre dure quatre-vingt-dix minutes. Elle est formée de dix-sept parties, les quatre-vingt-dix minutes étant divisées d'une façon pour les cordes et les percussions, et d'une autre façon pour les bois et les cuivres. Ces divisions ainsi que tout autre événement dans 103 sont le fruit d'un emploi exhaustif des opérations de hasard issues du I-Ching. 103 n'est pas l'expression de sentiments ou d'idées personnelles. J'ai souhaité libérer les sons de mes intentions afin qu'ils ne soient que des sons, c'est-à-dire eux-mêmes. Pour ce faire, les musiciens doivent rester attentifs, pendant qu'ils jouent, à ce qu'ils font, précisément en écoutant chaque son qu'ils produisent, comment il naît, se maintient et s'éteint. Le concert ne sera pas dirigé, des chronomètres sur vidéo servant de repère temporel.

One 11 est un film dépourvu de sujet. Il y a de la lumière mais aucun personnage, aucun objet, pas d'idées concernant la répétition ou la variation. Il s'agit d'une activité sans signification qui est néanmoins communicative, comme la lumière elle-même. »

  Tel est le point de départ du disque. Pour plus de précision concernant l'évolution du projet, je renvoie à la pochette du cd ou à la page que lui consacre le label Room 40. Lawrence English précise d'ailleurs que l'influence de Cage est tantôt directe, tantôt indirecte et, disons-le pour l'auditeur de base, même un peu connaisseur de la musique de ce dernier, rien moins qu'évidente. Peu importe. Tous les deux écoutent les sons, cherchent à être au plus près d'eux, conçoivent une musique libérée de toute contrainte stylistique, formelle, pour nous baigner dans un océan sonore changeant sans raison apparente dans la mesure où les procédures aléatoires sont activées. Mais tandis que 103 pour orchestre reste une musique pour instruments acoustiques, les huit pièces de Lawrence English sont électro-acoustiques (la pochette est muette à ce sujet).

   Intrigué par la couverture présentant une sorte de champignon flou et les titres latins des pièces, dans lesquels "russula", "coprinus" ou "anamita" me confirmaient la piste champignonnière, j'ai vérifié qu'en effet ils renvoyaient à huit champignons : une piste d'écoute à tenter ? Pourquoi des champignons ? L'écoute du disque me suggère quelques hypothèses que je vous soumets. Les champignons, aujourd'hui encore, sont mal connus. Longtemps, on a pensé qu'ils poussaient par une sorte de génération spontanée. La musique de Lawrence English semble elle aussi surgir à l'improviste, et pousser de manière capricieuse, imprévue. Des vagues sonores se suivent, dans lesquelles sont fondus, enkystés, quelques sons reconnaissables d'instruments : cela vient, déferle, très mystérieusement, comme dans le premier titre "Jansia Borneensis". Les éclats brefs de cuivres, cordes, émergent d'un cocon de drones, d'un nuage de particules. "Otidea Onotica" se développe selon une suite dense de crescendi crépusculaires au fond desquels l'orchestre semble tapi, assourdi. "Hygrophorus Russula" est rythmé par des drones profonds ponctués de percussions sourdes. Les cordes percent à peine le continuum impressionnant, foisonnant comme certaines pièces de Guillaume Gargaud. Pièce superbe qui se termine sur l'émergence de l'orchestre, mis en parallèle avec des nappes courbes dans le tourmenté "Naematoloma Sublateritium". Où sommes-nous, sinon dans le creuset originel, la marmite magique ? "Coprinus Comatus" nous entraîne plus profond : percussions claquantes, vents de particules, grondements, grand magma dans lequel s'agglomèrent aigus et graves. C'est la cuve où bout le jus sonore ! "Anamita Inaurata" est d'abord plus insidieusement calme, puis soulevé par des percées troubles. Ce qui envoûte dans cette musique, c'est la manière dont l'orchestre persiste malgré la tempête électronique qui l'enveloppe, sourd à travers lui. On est au cœur de la maturation du mystère, dans la dissémination des pores, la gymnastique des spores comme m'invite à le penser le titre suivant, "Gymnosporangium". Finalement, on n'est pas si loin de Cage, de 103 pour orchestre, dont l'amorphisme sert de base au chapeau électronique sidérant. Le dernier titre, "Entoloma Abortivum", est d'une toxique majesté, troué de maelstroms fulgurants. Le téléchargement associé à l'achat du cd propose un titre supplémentaire, "Chance Operation 6" : quinze minutes de drones puissants perpétuellement surgissant dans lesquels se lovent les instruments de l'orchestre enfoui, chaque son acoustique paraissant comme une irisation, une dérivation de la superstructure électronique.

   Un disque vraiment extraordinaire, digne héritier de Cage, mais aussi des recherches sonores d'un  Giacinto Scelsi. Vous retrouverez sans doute bientôt Lawrence English dans ces colonnes !!

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Paru en 2012 chez Line / 9 titres / 54 minutes

Pour aller plus loin

- la page de Room 40 consacrée au disque

- le film One 11 avec 103 pour orchestre de John Cage, version intégrale (plus de quatre-vingt-dix minutes !). Prenez le temps, c'est l'été, et puis même si ce n'est pas l'été, parce que nous n'avons que le temps à prendre...

- "Hygrophorus Russula", le troisième titre, en écoute sur cette fausse vidéo et devant ce vrai champignon : vous pouvez superposer les deux vidéos (pistes sonores), bien sûr !!!!!!

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