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Musiques Singulières

    Pour les amateurs de dépaysement, de découvertes. Formats longs bienvenus : prendre le temps de la musique !
    Index des musiciens à votre disposition dans la Catégorie du même nom.
Créé le 20 février 2007, ce blog prolonge une émission sur Radio Primitive, Reims, la plupart des lundis de 22 à 23 heures. 
N.B Format de votre fenêtre presque carré pour voir le haut des colonnes !

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Chers visiteurs,

  Désolé pour l'invasion publicitaire, consternante : je la déplore et j'en souffre autant voire plus que vous. En attendant une alternative (pas facile), je vous conseille, si vous naviguez avec Firefox, d'installer une extension anti-pub.

11 septembre 2010 6 11 /09 /septembre /2010 21:03

   La surdité de certains spectateurs ou critiques de cinéma me stupéfie toujours. À les écouter parler, on a l'impression que la musique du film n'est pas parvenue à leurs oreilles. Fascinés par les images, ils n'entendent que les dialogues. De même, lorsque l'on parle de disques, on a tendance à oublier la pochette, le livret, qui représentent un travail, affirment des choix esthétiques. Dans cette nouvelle catégorie, je vous livrerai une sélection de reproductions de pochetttes, couvertures ou pages intérieures de disques dont je n'ai par ailleurs guère envie de chroniquer la musique, soit parce que je la trouve mauvaise, ou qu'elle m'indiffère, ne m'inspire guère, ou encore que je laisse à d'autres parce qu'elle n'est pas dans mes cordes. Je ne vous cache pas que cette catégorie me permettra aussi de vous envoyer un signal dans les périodes où mes diverses activités laborieuses m'accaparent impitoyablement, ce qui est un peu le cas ces jours-ci d'ailleurs.

  Avant de vous livrer ma première trouvaille, je vous signale que je travaille dur à un futur index des musiciens cités dans ce blog depuis sa création en février 2007...

  Quant à la sélection, elle obéira aux fluctuations de mon humeur. Elle sera magnifique, drôle, décalée, émouvante, lamentable, insignifiante, ridicule, gothique, infantile, souveraine, grandiloquente, curieuse...Attention, premier échantillon...

Stornoway Beacgcomber's Windowsill

 

Deux des pages intérieures de BEACHCOMBER'S WINDOWSILL, un album d'un groupe d'Oxford nommé Stornoway. Sorti en Août 2010 chez 4AD. Graphisme d'une grande finesse. Toute la mer dans une pochette !!

  Leur page MySpace est aussi très réusssie.

4 septembre 2010 6 04 /09 /septembre /2010 16:41

   Johann Johannsson FordlandiaUn petit retour en arrière, comme souvent sur ce blog, pour attraper au vol un disque singulier, sorti en novembre 2008. Je m'étais déjà intéressé à l'opus précédent de l'islandais Jóhann Jóhannsson, consacré à une étrange ode décalée inspirée par les premiers puissants ordinateurs, IBM1401-A Users Manual, paru deux ans plus tôt. Cette fois, l'album, intitulé Fordlandia,  s'inscrit dans l'univers Ford : aucune vision optimiste du fordisme, plutôt une mise en perspective, une rêverie teintée de mélancolie comme l'attestent les photographies et illustrations de la pochette : rouages, photographie sépia d'une vieille voiture embourbée (?) contemplée par toute une famille sur fond de ruines (?), maquette de fusée dans un laboratoire... "Fordlandia" renvoie à une ville utopique fondée par Henry Ford en Amazonie pour tenter de se procurer le caoutchouc à un meilleur prix. Le projet échoua parce que trop pétri  de principes étrangers aux travailleurs locaux, qui finirent par se rebeller. Ne restent aujourdhui que les ruines de cette cité reconquise par la forêt et la jungle. Le disque mêle la musique classique, avec la participation de l'Orchestre philharmonique de Prague notamment, et l'électronique, pour des morceaux au lyrisme puissant, construits sur des crescendos de variations répétitives étirées. Des interludes baptisés "Melodia" I à IV font entendre des instruments solistes qui viennent colorer cette vaste fresque : clarinettes démultipliées en boucles lancinantes, piano aux accents frêles et poignants sur fond de guitares embrumées. À chaque écoute, le temps semble se dilater un peu plus, comme si la musique nous propulsait, un peu comme les fusées de la pochette ou celles signalées par certains des titres, dans une traverse temporelle aux pulsations plus amples. Chœurs, cordes, orgue, nous emmènent à la dérive au creux de ces spirales insidieuses, et l'on est tout surpris que le monde extérieur puisse encore exister...Le dieu Pan n'est pas mort, qui reprend tous ses droits quand meurent les utopies en Chimerica (titre du septième morceau), le pays des chimères. C'est à la poétesse victorienne Elizabeth Barrett Browning (1806-1861), épouse du poète Robert Browning, que Jóhann Jóhannsson emprunte ce qu'on peut considérer comme l'épigraphe du disque :

Et ce lugubre cri s'élevait lentement

Et lentement sombrait parmi les airs

Remplis de la mélancolie de l'Esprit

Et du désespoir de l'Éternité

Et ils entendirent les mots qu'il disait :

"Pan est mort. Le grand Pan est mort"

(Traduction personnelle)

Paru fin  2008 chez Mute Song / 4AD. 11titres, environ 70 minutes.

Depuis, Jóhann Jóhannsson a sorti &In the Endless Pause There Came Sound of Bees, en avril de cette année.

Pour aller plus loin

- Jóhann Jóhannsson sur MySpace

- le superbe site personnel de Jóhann Jóhannsson

- une video sur "The Rocket Builder (Lo Pan !)", troisième titre de l'album :

 

 
30 août 2010 1 30 /08 /août /2010 10:42

   Dawn of Midi FirstTrio constitué du percussionniste pakistanais Qasim Naqvi, du contrebassiste indien Aakaash Israni et du pianiste marocain Amino Belyamani, Dawn of Midi propose dans son premier disque First une musique purement improvisée, acoustique, d'une belle densité, qui tient autant de la musique contemporaine que du jazz, d'où sa place dans ce blog qui, vous le savez, ne flirte qu'assez peu avec ce dernier, trop souvent bavard et embarrassé de tics à mon goût. Le premier titre, "Phases in Blue", commence pourtant très jazz, un jazz ramassé : intro aux percussions, entrée de la contrebasse puis du piano au phrasé caractéristique. Tout de suite on sent une grande concentration, le piano virevolte et gronde, la batterie découpe dans la chair improvisée, quelque chose s'installe au-delà du convenu. "Laura Lee" confirme l'impression. John Cage et quelques autres ne sont pas loin. Le piano se taille la part du lion. Il explore les failles, s'arrête pour explorer l'inaudible, tandis que percussion et contrebasse le serrent de près, jouent des textures métalliques, froissées. C'est d'une beauté sereine, sur la corde mélodique, sans démonstration. Signalons la magnifique prise de son, qui garde la fraîcheur de cette musique discrète dans les deux sens du terme. Le troisième titre, "Civilizaton of Mud and Amber",  nous entraîne plus loin dans un monde délicat, tout en étincellements. "The Floor" joue du clavier et de l'intérieur du piano dirait-on, égratigné avec douceur, avec un obsédant frappé sur le bois, tandis que la percussion et la contrebasse forment un tapis profond, et grave, et presque moelleux. Le piano s'efface alors pour une coda dépouillée de percussions à peine. Atmosphère magique et minimale pour le superbe "Tale of two worlds" : frémissement des cymbales, ponctuation piquetée de la contrebasse, et le piano dans des éclats de lumière, des hésitations au bord du silence, les cordes de son ventre à cru dans la retenue des percussions. Pas de bavardage dans cette musique. J'aime cette tenue intense, ce sens aigu du mystère qu'on effleure. "One" fait d'abord dialoguer les cymbales frottées, la contrebasse tranquille et le piano tout en découpes scintillantes, en notes détaillées. Le morceau s'enfonce dans les graves, dans une aube translucide  dessinée comme une estampe japonaise : il attend que vienne l'indicible, tout en frémissements minuscules. Magistral !! Déjà quatre titres sur six qui justifient l'écoute de l'album. "Hindu Pedagogy" nous rappelle à une réalité plus consistante par sa rythmique et ses redites appuyées, prolongé par "Annex", surtout percussif. Je sens ces deux titres comme un intermède, on ne pouvait rester au seuil de l'impalpable au risque peut-être de glisser vers l'inconsistance. Et puis on accueille mieux les deux dernières pièces, très intériorisées. "No Abhor", le piano sur un lit percussif mouvant, avec des pages presque impressionnistes, puis plus déconstruites, proches d'un jazz expérimental que je connais mal, avec une fin moins convaincante à mon goût. Mais le disque se termine avec "In Between", magnifique itinéraire de plus de onze minutes dominé par le piano qui ressasse certaines notes comme dans le strumming à la Charlemagne Palestine, tandis que percussion et contrebasse créent une curieuse forêt rocailleuse agitée de mouvements chaotiques : crescendo exalté ponctué de stases, parcouru de nervures, tendu en effet entre deux mondes comme un pont de cordes au-dessus d'un précipice. Une fin splendide pour un grand disque.

Paru chez Accretions, label indépendant californien, en 2010. Presque 53 minutes / Dix titres, dont six magnifiques, deux très bien.

Pour aller plus loin

- le site du trio, qui navigue entre New York et Paris.

-une vidéo à partir du titre "The Floor" :

 

24 août 2010 2 24 /08 /août /2010 12:39

  J.-H. Rosny Ainé n’est plus guère à la mode. Tout au plus se souvient-on, grâce au film de Jean-Jacques Annaud, que Joseph Henri Honoré Boex, de son vrai nom, est l’auteur avec son frère Séraphin Justin François (ils écrivent en collaboration jusqu'en 1909) de La Guerre du feu, roman préhistorique considéré avec une condescendance ironique dans le meilleur des cas. Ce qui est très injuste pour un roman splendidement écrit, au souffle épique, tout à fait au niveau des œuvres d’un Kipling ou d’un Rider Haggard. Mais le roman d’imagination ou d’aventures n’est pas encore reconnu dans la littérature française comme il l’est chez les Anglo-saxons.

   Rosny Aîné Amour étrusqueDe toute façon, ce n’est pas un roman de cette veine que je veux évoquer.  Les frères ont été des romanciers prolifiques, populaires dans le meilleur sens du terme. Je suis tombé  sur un roman d’amour et d’analyse psychologique, d’ailleurs bien mené, autour d’un personnage féminin charmeur et troublant heureusement surnommé Liane – la pauvre s’appelle Lucette dans cette histoire d’adultère où elle vient perturber le ménage harmonieux de sa cousine très aimée,  l’éblouissante Geneviève. L’Appel du bonheur parut en 1919 (faute d'image de couverture, j'ai trouvé celle d'un autre roman sentimental...) Vous allez me dire que vous ne voyez pas le rapport avec ce blog, et vous aurez raison. J’y viens. Lors d’une des conversations familiales qui émaillent le roman, l’un des personnages, Hippolyte, vieil homme amer en recherche d’absolu, oppose la musique au langage, entendez ici "les mots" :

« — Il me semble parfois, — dit Hippolyte, — que la musique est destinée à combattre les méfaits du langage. Elle ne saurait mentir. Chacun à la vérité peut lui prêter ses fables, mais d’elle-même, elle échappe à toute signification. Je trouve que par là, elle est l’art supérieur, le grand art moral. »

Ce à quoi un autre personnage, Frédéric, rétorque :

   «  C’est une esclave (…) Elle sert indifféremment nos vertus et nos vices. Je le lui reproche. J’aime mieux le langage qui peut mentir mais aussi conduire à la vérité. La musique ne nous y mène pas plus que l’alcool, le café ou la morphine… »

   À quoi sert la musique ? Vaut-elle mieux que nos mots si aisément menteurs, ou n'est-elle qu'une drogue parmi d'autres ? Partagez-vous l'idéalisme d'Hippolyte ou le scepticisme de Frédéric ? Faut-il d'ailleurs opposer la musique aux mots ? Ce qui me semble sûr, en ce qui concerne la musique instrumentale, c'est qu'elle repose des mots, qu'elle est d'abord au-delà d'eux, avant d'être annexée par nos réactions, critiques...

6 août 2010 5 06 /08 /août /2010 18:14

 

Maya Beiser Provenance   Cinq titres, cinquante cinq minutes pour évoquer notamment l’Âge d’Or de la musique espagnole, entre le neuvième et le quinzième siècle, quand les trois monothéismes, musulman, chrétien et juif, se côtoyaient dans une relative harmonie. Pourtant, le nouveau disque de Maya Beiser, violoncelliste de toutes les expériences avant-gardistes de la musique contemporaine américaine, de Steve Reich à Bang On A Can, n’est pas une entreprise folklorique. Cinq compositeurs d’aujourd’hui donnent leur version de la tradition, de l’origine, les deux revivifiées par une véritable écriture. Oud, percussions, viennent épauler le violoncelle roi sur trois des cinq titres. Kayhan Kalhor, compositeur iranien maître du kémantché, signe "I was there", le premier titre d’un peu plus de quinze minutes. Maya considère le kémantché, cette vielle à archet fondamentale du Moyen-Orient, comme l’un des ancêtres possibles du violoncelle occidental. Longue introduction sinueuse avant l’entrée du oud : c’est le titre le plus oriental, rêveur et méditatif, caressant, avec un dernier tiers assez dans l’esprit de la musique soufie. L’arménien Djivan Gasparian, maître du duduk, l’équivalent de notre hautbois, donne "Memories", une pièce  pour violoncelle solo d’une mélancolie alanguie, un peu comme la spirale qui s’échapperait d’une pipe dans l’air calme. Le tour de Méditerranée se poursuit avec "Mar de leche", de la compositrice israélienne Tamar Muskal : le morceau greffe sur une mélodie traditionnelle de la musique des juifs sépharades, interprétée a capella par la chanteuse Etty Ben-Zaken au tout début, des variations nettement plus contemporaines. Le sommet de ce magnifique parcours est "Only Breath" de Douglas J Cuomo, méditation envoûtante pour violoncelle solo et environnement électronique inspiré à la fois par l’Andalousie et la Turquie soufie : plus rien toutefois d’exotique ou pittoresque, tout simplement une page sublime de violoncelle démultiplié par une mise en espace d’une infinie suavité. Le dernier titre, "Kashmir", étonnant arrangement d’Evan Ziporyn d’un morceau de Jimmy Page et Robert Plant, s’il surprend au premier abord, s’intègre à merveille dans cette exploration tous azymuth des origines…de Maya Beiser elle-même, enfant bercé par les mélopées orientales mais aussi par le rock. Un disque abouti, dispensateur de paix…

Pour aller plus loin

- un article antérieur sur les disques précédents de Maya.

- un autre sur elle et le groupe rennais Psykick Lyrikah : deux lyrismes inspirés, visionnaires.

- Maya en direct interprète "Only Breath" (version plus courte que sur le disque) :


30 juillet 2010 5 30 /07 /juillet /2010 17:59

 

    La rubrique La Musique et les Mots me permet d’évoquer des musiques que j’ai choisi de ne pas chroniquer dans ce blog déjà très éclectique, mais qui comptent pour moi, ou qui interrogent mon oreille, ma sensibilité. Plongé dans l’excellent roman du cubain Guillermo Cabrera Infante, La Havane pour un Infante défunt, dont le titre est une transparente paronomase de la ravélienne Pavane pour une Infante défunte, je n’ai été qu’à demi-surpris par un chapitre intitulé « La plus que lente », qui établit un rapprochement inattendu, en tout cas pour moi (qui connais si peu la musique cubaine), entre Debussy et la musique populaire cubaine. Voici le début du chapitre qui prend justement pour titre celui de la valse du compositeur français :

Guillermo Cabrera Infante La Havane pour un Infante défunt   «  Notable fut l’influence de Claude Debussy sur la musique  populaire cubaine, ou plutôt un certain domaine de la musique populaire, d’où j’excepte le faux folklore et l’expression presque savante  illustrée par le meilleur d’Ernesto Lecuona ou le style typiquement havanais de Boule de Neige. Non que ces deux musiciens, ou d’autres plus modernes (je pense aux chansons et aux interprétations  de Franck Dominguez  ou aux beaux accompagnements pianistiques  d’un Mémé Solis) imitent consciemment l’auteur d’Images – hasard ou non, Images est aussi le titre d’un boléro de Dominguez, très populaire et apprécié d’un délicieux écrivain anglais qui a connu La Havane au temps de sa splendeur-, mais le clavier et les sonorités debussystes sont entré dans la musique  populaire pour piano, peut-être via les œuvres  contemporaines d’Albeniz, sous une forme inconsciente mais constante. S’il y manque les accords brisés, les harmonies moribondes, les arpèges liquides de Debussy, on y retrouve beaucoup de ses sonorités pianistiques, surtout dans les aigus et les forti, plus que dans les pianissimi, et l’on évoque aussitôt en l’écoutant les phrases hésitantes de « La Plus que lente », cette valse que Debussy avouait avoir composée « dans le genre brasserie ».

  La suite du chapitre développe le « rôle joué par Debussy dans (sa) vie amoureuse », puisque le roman se présente comme la chronique autobiographique d’un apprenti Don Juan dans La Havane des années quarante et cinquante. La confession lie intimement musique et érotisme :

« La première fois que j’ai fait l’amour – j’emploie ce gallicisme à dessein, et pour une double raison-, c’était, je m’en étonne encore aujourd’hui, avec la plus jolie fille jamais contemplée par mes yeux cubains ; et, pour la conserver, je dus m’évertuer à lui caresser les tympans avec du Debussy, les pénétrant de ce suave perforateur qui la faisait tomber  dans une extase que j’étais pour ma part bien incapable de lui procurer sans l’aide de vagues à douze heures et quart du matin (comme dit Satie). »

   Comme quoi la musique dite savante infuse souvent la meilleure musique populaire, et peut même s’intégrer à une stratégie de séduction. Alors, Debussy, le tube intemporel et irrésistible de l’été ?

Extraits p.200 et 201.

Roman paru en 1979 / Edité au Seuil, Collection Points n°P599 dans une magnifique traduction d'Anny Amberni, en février 1999.

   Quant à la valse de Debussy, en voici une version plus que lente de Samson François  (un peu lente à charger, cela va de soi...) :

 

21 juillet 2010 3 21 /07 /juillet /2010 20:42

Clogs The Creatures in the Garden of Lady Walton   Comme promis, un petit mot du paradis. Je suis connecté, mais il fait noir, je ne vois guère le clavier Les moustiques ont débarqué en bataillons serrés. En somme, les circonstances idéales pour vous conseiller un bijou insolite. Clogs ? Vous avez dit Clogs...Un quatuor de chambre composé de Padma Newsome, violon, alto, célesta et voix, Bryce Dessner, guitares, mandoline, ukulele, Thomas Kozumplik aux percussions et Rachael Elliott au basson, renforcé par de nombreux musiciens et une chanteuse, et pas n'importe qui, Shara Worden de My Brightest Diamond. Le résultat : un étonnant parcours entre musique aux fragrances médiévales, folk, et accents nettement plus contemporains. C'est leur cinquième album (je ne connais pas encore les précédents). Beauté des mélodies raffinées, des voix, bien sûr d'abord celle de Shara Worden, qui escalade si facilement les aigus devenus si suaves, des instruments saisis comme dans leur fraîcheur native.

 

   L’album s’ouvre sur “Cocodrillo”, courte pièce chantée, léger petit canon tout en ailes. " I used to do " est tout en boucles délicates, battement des cordes et souffles de basson : une entrée au Jardin des Délices. L’âme s’envole avec "On the Edge", chanson merveilleuse qui rappelle les meilleures pièces du folk irlandais, des voix comme celle de Jackie Mac Shee. Désormais, on est sous le charme. Guitare, banjo, cordes et percussions tissent une musique de chambre qui a peu d’équivalent en Europe, si ce n’est dans des ensembles comme celui de Jean-Philippe Goude. La viole de gambe nous saisit sur "The Owl of Love", seconde petite perle transfigurée par la voix de Shara Worden. Quelle liberté, quelle grâce…Shara chante, incante "Adages of Cleansing", le sixième titre, entre quasi murmures et cordes agitées ou frissonnantes, percussions hoquetantes : atmosphère magique, intense. La guitare, l’avions-nous entendu avant "Last Song", ce n’est pas si sûr. La voix de Matt Berninger de The National, qui rappelle celle du chanteur de The Devastations, apporte un superbe contrepoint grave sur ce titre à la belle mélancolie. Suit un instrumental, "To Hugo", ballade vaporeuse qui fait dialoguer guitare et basson, cor. Accents irlandais au début de "Raise the flag", violon caressant, chœur à la Matt Elliott qui reprend sur le dernier titre, très émouvant, à l’instrumentation raréfiée. Reste à savoir qui est Lady Walton…Sans doute la femme du compositeur Sir William Walton, qui a créé sur l'île d'Ischia, dans la baie de Naples, l'un des plus beaux jardins du monde sur le site d'une immense carrière de pierre. D'un jardin l'autre. 

Voilà un disque miraculeux, à la fois accessible et enchanteur à l'image de la pochette.

 

Paru chez Brassland en 2010 / 10 titres.

Pour aller plus loin :

- Clogs sur MySpace.

 - Une fausse vidéo de "On the edge" chanté par Shara Worden :

 

5 juillet 2010 1 05 /07 /juillet /2010 21:22

Nico Muhly speaks volumes  Nico Muhly, né en 1981, appartient à cette jeune génération de compositeurs influencée par les grandes œuvres conceptuelles du trio minimaliste Reich-Riley-Glass. Après des études en littérature anglaise, il obtient son diplôme de composition à la Julliard School de New York. Il est proche de Philip Glass, dont il est l'éditeur et le claviériste pour de nombreuses pièces, travaille avec Björk, sollicite la collaboration du chanteur Antony. Auteur de musiques de film, il est particulièrement remarqué pour la B.O. de The Reader.

   "speaks volumes", sorti début 2007, est son premier disque, qui réunit sept pièces pour petite formation de chambre. Le tout est enregistré et mixé par Valgeir Sigurdsson, producteur et ingénieur du son de la déjà citée Björk et de quelques autres, Valgeir qui sort ces jours-ci son premier album solo. L'islandais imprime sa marque en enregistrant les instruments de très près et en ajoutant un environnement électronique discret et efficace.

   "Clear music" commence par une phrase languide de violoncelle qui s'étire, se déploie peu à peu dans l'énergie retrouvée, s'épanouit au contact du célesta. La harpe apporte son contrepoint plus grave. Et le trio va, plus enjoué ou plus réfléchi, avec de beaux passages transparents, des dissonances calculées, vers sa résolution méditative. Nico Muhly reconnaît deux sources d'inspiration à cette pièce : le motet Mater Christi Sanctissima de John Taverner, compositeur anglais de la Renaissance, et Vespertine ...de Björk ! "It goes without saying" fait dialoguer d'emblée clarinette et harmonium, l'acoustique organique et les machines : morceau tout en tension, en chromatisme ostentatoire, dans une scansion hâchée très reichienne. Les drones percussifs s'invitent pour une envolée auréolée de trouées lumineuses, ponctuée par les bruits de la soufflerie, les frappes sur les touches. Le début de la pièce suivante, "Honest Music" peut faire songer à la musique d'un Michael Nyman : présence emphatique des cordes langoureuses et insinuantes sur un bourdon de clavier. Le violon chante, domine, épaulé par la harpe et des arrangements enveloppants de cordes et claviers, dans un mouvement aéré de stases solo, jalonné de silences et de reprises en chœur, ce qui me fait aussi songer à un autre anglais, Graham Fitkin , c'est frappant notamment sur la superbe fin, proche dans l'esprit de celle de Slow. D'ailleurs, comme Graham, Nico est d'abord pianiste, et un beau pianiste : il suffit d'écouter "Quiet Music", clair obscur austère, où la rareté est densité expressive. Le piano balbutie, tintinnabule brièvement, découpant le silence en lanières de lumière. "Pillaging Music" semble d'abord un clone (assumé comme l'indique le titre), un remix de bien des pièces percussives de Steve Reich, mais en plus dissonant, destructuré : piano, marimba, sorte de gamelan aussi, mènent une danse de trémolos parcourue de silences frémissants. Pièce au final surprenante, pleine de fantaisie. Retour au piano solo avec "A Hudson cycle", morceau choral hanté par Philip Glass cette fois, l'excellent Glass des pièces pour piano : lumineux et émouvant. Le disque se termine avec "Keep in touch" : faux retour au début avec un phrasé solo d'alto,  mais détruit par des froissements, les cordes grincent, grimpent dans des aigus agressifs. tandis qu'une voix se fait entendre. Tout se calme, l'harmonium (et ses clapets bien audibles) apporte sa douceur suave dans laquelle se fond d'abord la voix d'Antony. Le morceau se fait prière miaulante, lamento douceâtre et déjanté, plombé de percussions métalliques. Sans doute la pièce la plus inventive, écartelée entre sentimentalisme et parodie, ferveur et folie, avec son long crescendo incandescent, sa retombée majestueuse et décalée à la fois dans les mélismes gentiment outranciers d'Antony.

    Un disque difficile à classer, entre post-minimalisme et électro. Parler de néo-classicisme à son égard m'étonne. Singulier en tout cas, inspiré et souvent beau, sans rien à jeter comme dirait Georges.

Sept titres / 54 minutes // Paru en 2007 chez Bedroom Community

Pour aller plus loin

- le site de Bedroom community, avec une page consacrée à l'album, en écoute intégrale.

- une vidéo superbe pour la musique de "It goes without saying":

 

 

Programme de l'émission du dimanche 20 juin 2010

Slow Six : because together we resonate (piste 4, 6' 02), extrait de tomorrow becomes you (Western vinyl, 2010)

Four Tet : Angel Echoes / Circling / This Unfolds (p.1-3-6, 17'), extraits de There is love in you (Domino Recordings, 2010)

Nico Muhly : It goes without saying / Honest Music (p.2-3, 15' 40), extraits de speaks volumes (Bedroom Community, 2007)

Olivier Capparos & Lionel Marchetti :Livre V "First flight" / Livre VI "Le sable et le vent" (Cd 2, p.2 et 3, 26' ), extraits de Kitty Hawk, Le sable et le vent (Césaré, 2010)

 

Programme de l'émission du dimanche 4 juillet 2010

Clogs : Red seas / The Owl of love / Adagio of Cleansing (p.3 à 5, 14' 30), extraits de The creatures in the garden of Lady Walton (Brassland, 2010) Avec Shara Worden du groupe ci-dessous.

My Brightest Diamond : Black & Costaud / To Pluto's moon (p.6-7, 11' 15), extraits de a thousand shark's teeth (Asthmatic Kitty Records, 2008)

Maya Beiser : I was there (p.1, 15' 36), extrait de Provenance (Islandia Music, 2010) Le retour très attendu de Maya...

Nico Muhly : Quiet Music / Pillaging Music (p.4-5, 12' 45), extraits de speaks volumes (Bedroom Community, 2007)

Four Tet : Plastic people / She just likes to fight (p.8-9, 11' 10), extraits de There is love in you (Domino Recordings, 2010)

Autechre : os veix 3 / O = 0 / d-shoqub (p.8 à 10' 16' ), extraits de Oversteps Warp records, 2010)

P.S. Dernière émission avant la reprise début septembre. Je ne vous abandonne pas pour autant...